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G.I. JOE - A ORIGEM DE COBRA

2009-08-13T07:38:00.000-07:00

Por Diogo Azoubel

Este é um daqueles filmes que você não esquece por um “bom tempo” (leia-se: durante a saída da sessão). De fato, os efeitos especiais chamam a atenção do público, mas não são suficientes para fazer de "G.I. Joe - A origem de Cobra" uma referência no tratamento dispensado ao roteiro. Não cabe aqui falar do trabalho dos atores, tendo em mente que a construção da narrativa não lhes permite um, digamos, aprofundamento dramático nas cenas. Entretanto, fica a referência ao desempenho de alguns deles em outras produções cinematográficas e televisivas de maior expressividade como crédito.

Para começar, não há orçamento que dê jeito na ausência de uma trama bem amarrada. Sou suspeito para falar. Afinal, não sou um grande apreciador do estilo “bater-e-correr” de alguns blockbusters estadunidenses. O filme é inspirado em bonecos articulados que fizeram sucesso com as crianças nas décadas de 1980 e 90. Mesmo assim, o longa passa longe de toda magia que existia ao redor da série de simpáticos heróis que, posteriormente, viraram tema de quadrinhos, animações e games.

Na produção, orçada em US$ 175 milhões (cerca de R$ 320) pela Paramount Pictures, um grupo militar especial de agentes anônimos luta para livrar as cidades de Paris, Washington, Pequim e Moscou da completa destruição. De posse de uma tecnologia agressiva e muito “no sense”, os vilões não abrem mão dos clichês e do didatismo típicos de uma produção inteiramente comercial. Sobre a direção de áudio, é interessante perceber que o dinheiro reservado a edição foi gasto de maneira correta: nem mais nem menos que o esperado.

Os erros de continuidade são comuns durante todo desenrolar da narrativa. São erros primários que vão desde óculos que aparece cena sim, cena não na mesma sequência no rosto da Baronesa às mudanças de figurino inexplicáveis e irresponsáveis que confundem o público. Tudo é muito óbvio. Não precisa ser gênio para descobrir os planos da “turma do mal” logo nos primeiros 15 minutos. Basta desviar um pouco a atenção da pipoca e do refrigerante que, neste caso, são ótimas companhias.

Os figurinos agradam, mas, com exceção das armaduras tecnológicas e ofuscantes (nada discretas para quem quer passar despercebido), parecem ter sido jogados ao acaso, escolhidos não para compor o quadro geral da trama, e sim para deixar os personagens mais “descolados”. Dennis Quaid, Channing Tatum, Sienna Miller, Marlon Wayans e Joseph Gordon-Levitt se esforçam, mas não sustentam o filme. Até o fetichismo do combate entre a vilã-psicopata-do-andar-estranho e a mocinha-loira-sensual-nerd perde a graça pelos inúmeros cortes.

Os conflitos existências de personagens, as crises de consciência e a dissimulação capitalista são chatos. Não há novidades. As quebras temporais desnecessárias e as alusões ao final feliz dos contos de fadas é muito “água com açúcar”. No mais, se você estiver com algum compromisso antes ou depois da hora marcada para ver o filme, não se acanhe: saia antes de perceber os créditos finais na tela do cinema ou chegue atrasado sem remorsos. Você não perde nada que não possa ser resumido em duas frases.

Agora se você é daqueles que procuram aventuras e efeitos especiais de ponta, esteja certo: "G.I. Joe - A origem de Cobra" é mais do que bom... é ótimo. Vale ser visto pelo histórico do diretor Stephen Sommers (de "A múmia" e "Van Helsing"), pelas alegorias ao comportamento volúvel dos financiadores da guerra no Mundo e, sobretudo, pelas locações européias. Por outro lado, o longa deve ser evitado pela alusão ao uso da força e de armas para manutenção da ordem, pela referência à pseudo-soberania dos Estados Unidos diante do Mundo e pelas cenas em que milhares de inocentes morrem enquanto a “turma do bem” tenta salvar cidades ícone.

Campanha

Apesar de ter evitado o “olhar” dos críticos antes do lançamento oficial, os produtores do filme conseguiram arrecadar boas quantias em bilheteria. Os números não param de crescer e isso prova que a maioria das pessoas não dá a mínima para o que os outros falam sobre os filmes que devem (e por que devem, em alguns casos) ou não ser vistos. Este movimento “pago pra ver” mantém a “arte” (não me cabe discutir o mérito da questão aqui) democrática, onde os resultados de processos criativos variados são colocados à disposição do público, que decide por si só se deve consumi-los ou não.

(Obs.): Alguém me explica: CADÊ O SANGUE DESTE FILME? Liguem para o Tarantino, para o Eli Roth, para qualquer um que consiga usar melhor a “groselha”.

Ficha Técnica

Diretor: Stephen Sommers

Elenco: Channing Tatum, Arnold Vosloo, Sienna Miller, Ray Park, Rachel Nichols, Adewale Akinnuoye Agbaje, Said Taghmaoui, Marlon Wayans, Joseph Gordon-Levitt, Dennis Quaid, Christopher Eccleston, Karolina Kurkova.

Produção: David Womark, Brian Goldner

Roteiro: Stuart Beattie, David Elliot, Paul Lovett, baseado nos quadrinhos de Michael Gordon

Fotografia: Mitchell Amundsen

Trilha Sonora: Alan Silvestri

Distribuidora: Paramount Pictures Brasil

Classificação: 14 anos

O LEITOR

2009-02-24T16:19:00.000-08:00

Por Diogo Azoubel

Os terrores do holocausto nos levam, inevitavelmente, à Alemanha. As marcas históricas ali deixadas não podem ser apagadas, mesmo que algumas pessoas se esforcem para fazer crer que tudo não passou de um equívoco, uma farsa. Em O Leitor aspectos do pós-guerra alicerçam a construção da narrativa que evoca sentimentos como culpa, arrependimento e resignação.

Em meados da década de 50, a cobradora de bonde Hanna Schmitz (Kate Winslet) se envolve com o estudante Michael Berg (David Kross), de apenas 15 anos. Logo nas primeiras seqüências do filme, o adolescente aparece debilitado pelos sintomas da escarlatina, enquanto Hanna o ajuda sem maiores desejos. A estória é típica: jovem que se apaixona por mulher mais velha e não é correspondido da mesma forma.

Entretanto, o longa vai além do que se espera. Em um enredo cheio de quebras temporais, Michael Berg oscila entre a insegurança da juventude e a frieza da vida profissional adulta. Advogado, se distancia das pessoas criando uma espécie de redoma para o próprio corpo. Fato é, perambulando entre as memórias dele, negligencia até mesmo a filha, que serve de elo com o mundo real.

Já Hanna Schmitz não parece se apegar muito às pessoas com as quais convive. Fria, age como uma prostituta: troca sexo por recompensas. Neste caso, não se trata de dinheiro, mas de horas da leitura compartilhada de Berg antes ou depois de contidas cenas de sexo. Clássicos como "A Odisséia" e "As Aventuras de Huckleberry Finn" são negociados como que em um balcão de comércio popular.

Adiante, os protagonistas do tórrido romance se encontram para reviver mentalmente o passado comum. Ela frente a um tribunal e ele escondido entre os estudantes de Direito que, ali, tentam captar os interstícios de uma ação contra rés alemãs acusadas pela morte de 300 prisioneiras judias durante a Segunda Guerra Mundial. As cenas julgamento abusam da hipocrisia nacionalista, como se as ações de Adolf Hitler acontecessem à revelia do estado e da população germânica.

A relação que, daquele ponto em diante é retomada de maneira diferente do antigo romance, propõe questionamentos sobre a real culpa da sociedade em relação aos desígnios de um líder intolerante. Isso fica evidente quando Berg assume um protecionismo paternal em relação à ‘culpa’ de Hanna e, sem coragem para tirar a venda dos próprios olhos, a deixa sozinha em meio ao emaranhado de versões para o mesmo fato como se ela, e somente ela, pudesse servir de oferta para aplacar a fúria dos mais ‘humanizados’.

Com cinco indicações ao Oscar (melhor filme, diretor, atriz, roteiro adaptado e fotografia), o filme do diretor inglês Stephen Daldry não consegue ser linear no que se refere à captação da atenção dos espectadores. Dividido em duas partes – juventude e maturidade de Berg - que se desenvolvem simultaneamente, o longa ‘vai e volta’ inúmeras vezes até eu os fatos se encaixem e possibilitem o inevitável suspiro de ‘eu já sabia’ por parte da grande maioria do público diante do final veiculado.

Sem efeitos visuais de ponta, o longa prima pela exploração de uma nudez não vulgar, pelos figurinos que servem de indicações temporais e pela retratação de um amor que vai sendo desenvolvido silenciosamente entre personagens de universos tão distintos. O menino que vira homem, o jovem casto diante da mulher decidida e o arrependimento latente são alguns exemplos da subjetividade sutil.

Vale ser visto principalmente para constatar que a máxima ‘ a vida é feita de escolhas’ se encaixa perfeitamente no cotidiano de quem quer que seja. Além disso, o reencontro com o passado pode revelar aos mais atentos que, independente do que se tenha feito no começo da trajetória de vida, um novo final é reescrito sistematicamente a cada novo dia. Fica a escolha. Recomece e bom filme!

(Obs:) Perceba a semelhança estética entre o ator que dá vida ao jovem Michael Berg e o já falecido Heath Ledger, mais conhecido por interpretar um caubói bissexual em O Segredo de Brokbeack Mountain. Note também que, mesmo sendo a favorita na categoria ‘melhor atriz’ do Oscar, Kate Winslet não compartilha seu melhor com o público (vinde o filme Foi Apenas um Sonho).

Ficha Técnica:
Título: O Leitor
Título Original: The Reader
Tempo de Duração: 124 minutos
Gênero: DramaDistribuidora: Imagem Filmes
Direção: Stephen Daldry
Elenco: Kate Winslet;
Ralph Fiennes;
Bruno Ganz;
Alexandra Maria Lara;
David Kross.

VERÔNICA

2009-02-10T10:13:00.000-08:00

Por Diogo Azoubel

Quando se consegue buscar a felicidade e a segurança do outro em detrimento ao instinto de preservação pessoal, é sinal de que se conquistou altruísmo exemplar. No filme Verônica, essa abnegação se torna clara quando uma professora da educação básica decide, mesmo que inconscientemente, colocar o bem estar de um dos alunos dela à frente dos problemas cotidianos.

Em um enredo diferente daqueles que se costuma ver em Hollywood, o longa brasileiro consegue chamar atenção mesmo com algumas falhas. A construção dos traficantes, por exemplo, é carregada de clichês e gestos viciados em outras produções nacionais. Por outro lado, os constantes erros de continuidade cedem espaço ao carisma da atriz Andréa Beltrão, que protagoniza a estória.

Trata-se do antagonismo de uma profissional da educação pública do Rio de Janeiro que, diante da tensão e do risco, rejeita a posição de espectadora da própria vida e se lança no olho do furacão: Verônica se dedicou à educação de crianças e jovens durante as últimas duas décadas. Cansada e recém saída de um casamento frustrado, busca silenciosamente forças para auxiliar a mãe doente e o pai desempregado.

Endurecida pela rotina, faz do trabalho o estímulo para superar o baixo salário e a vida dentro de um quarto-e-sala. Ainda assim, Verônica, como muitas professoras brasileiras da atualidade, consegue ver na educação o instrumental necessário contra tempos de crise e violência desmedida. Por isso, se dedica ao exercício profissional com ardor e uma pitada de stress. Afinal, ninguém é de ferro.

Leandro é filho único. Afetivo, é obrigado a encarar a morte dos pais pelos traficantes da favela onde mora. Inconstante, oscila entre a maturidade precoce e a saudade da mãe. Sem saber, o menino carrega a chave para desvendar casos de corrupção que envolvem policiais, bandidos e membros do alto escalão de órgãos que, teoricamente, deveriam proteger à população.

Durante os primeiros trinta minutos do longa, o espectador é introduzido na estória dos dois personagens. Situações imprevisíveis somadas ao companheirismo tipicamente brasileiro são as molas para construção da narrativa. Em comum, Leandro e Verônica carregam o desejo de proteger um ao outro e o incansável fôlego para fugir de bandidos que parecem estar em todos os lugares.

Vale ser visto pela forma como consegue compartilhar com o público a tensão dos personagens. Pela trilha estimulante e pelas soluções que oferece para situações de perigo – a imagem azulada e granulada é um exemplo. No outro extremo, as transições secas e pouco inovadoras conseguem deixar a edição da obra repetitiva apesar das locações apropriadas.

No mais, questionamentos sobre que lei seguir, ética e moralidade são constantes. O diálogo final entre a protagonista e a própria consciência dela desperta um misto de revolta e letargia suficientes para fazer com que o espectador se projete do conforto da poltrona das salas de cinema para questionar a si mesmo: ‘Em que mundo estamos vivendo afinal?’. Tente responder e bom filme!

(Obs:) Repare quando Verônica e Leandro se despedem em um quarto de hotel. A seqüência resume bem as falhas técnicas presentes durante todo o filme. Elas podem ser constatadas mesmo pelos mais desatentos.

Ficha Técnica:
Título: Verônica
Tempo de Duração: 87 minutos
Gênero: AçãoClassificação etária: 12 anos Distribuidora: Europa Filmes
Direção: Maurício Farias
Elenco: Andréa Beltrão;
Marco Ricca;
Matheus de Sá;
Giulio Lopes.
Site Oficial: http://www.veronicaofilme.com.br

O CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON

2009-02-02T11:15:00.000-08:00

Por Diogo Azoubel

A velhice é, ainda hoje, um tabu para muitas pessoas. Mesmo com o avanço das tecnologias que prometem, seja por uso de cosméticos ou ingestão de substâncias químicas e/ou naturais, limitar o ciclo natural da vida, falar sobre o processo de envelhecimento do corpo humano pode soar como ofensa para pessoas que buscam a pseudo-juventude eterna. Em O Curioso Caso de Benjamin Button peculiaridades deste tema são mostradas ao público de maneira reflexiva em uma narrativa que lembra o longa Forrest Gump (1994), em partes pelo trabalho do roteirista, Eric Roth.

O filme propõe, de maneira alegórica, a racionalização das práticas e costumes cotidianos, sobretudo no que se refere ao preconceito latente em relação aos mais idosos. Baseado no conto homônimo de F. Scott Fitzgerald, Benjamin Button recupera a estadunidense New Orleans de 1918 com muito brilho e sonoridade. Tudo começa com o fim da primeira grande guerra: pessoas nas ruas, bandas e muitos fogos emolduram o nascimento de um bebê que mudaria a vida e o pensamento daqueles ao seu redor.

Com um quadro clínico sem precedentes conhecidos pela medicina da época, o bebê Bejamin é deixado por seu pai às portas de um lar para idosos depois da morte da mãe dele. Ali, paradoxalmente, recebe o tratamento que seria dispensado a qualquer outra criança de sua idade. Não fosse pelas doenças e restrições típicas de alguém com mais de 80 anos, Benjamin seria ‘normal’ e é, justo neste ponto, que o longa captura a atenção dos espectadores.

Seguindo a estrada contrária da maioria das pessoas, ele rejuvenesce com o passar dos anos. Vive inversamente a vida da maioria e, com o corpo bem mais maduro que a própria mente, experimenta as matizes de uma juventude reumática e corcunda ao lado de amigos fiéis e bem mais velhos. O longa, que trás no elenco atores da primeira linhagem hollywoodiana, não perde o fôlego durante as quase três horas de exibição. Faz, entretanto, o público segurar a respiração e mergulhar fundo na fantasia das belas imagens e da trilha sonora perspicaz.

Sobre as imagens, o destaque, sem dúvidas, é para as que revelam o tom bem humorado da trama. Raios que atingem a um homem em momentos distintos da vida dele, a meretriz assustada diante do incansável homem de idade avançada e mesmo Brad Pitt fazendo poses diante do espelho são apenas alguns exemplos. Este último, aliás, revela um trabalho apurado de construção do personagem. É inevitável sair da sala de cinema pensando no quanto o ator surpreende pela atuação inusitada.

Em ritmo similar, Cate Blanchett e Tilda Swinton apresentam atuações firmes. Dando vida, respectivamente, à primeira e à segunda paixões do protagonista, as atrizes mostram o porquê habitam no imaginário de cinéfilos espalhados por todo o mundo. Cate, mais conhecida pelos filmes Elizabeth (1998) e Elizabeth – The Golden Age (2007), é capaz de sensibilizar ao ‘libertar’ de seu corpo a personagem Daisy Fuller, que abre mão do amor verdadeiro em benefício de um futuro melhor para a própria filha. Já Swinton, que interpreta Elizabeth Abbott, não deixa qualquer vestígio da Rainha Branca, de As Crônicas de Nárnia (2005 e 2008) – em um trabalho limpo e sem vícios.

Vale ser visto pela maquiagem apurada, pelo desempenho dos atores e pela magia de um conto fantástico que muito nos fala sobre como lhe dar com as escolhas da vida. É necessário descobrir onde reside o preconceito dentro de cada um de nós para, então, lutar contra ele seja lá sobre qual disfarce se esconda.

Ser velho não é nenhuma doença, muito embora algumas delas possam surgir com o passar dos anos. Basta notar que, mesmo diante de tantos cabos e softwares, o ser humano ainda deve ser encarado como o mais importante. E, como o relógio que anda para trás, aceitar que o tempo é o mesmo para todos e que a diferença está em como o aproveitamos. “Há pessoas que nasceram para ser mães. Outras que nasceram para ser atingidas por raios. Há pessoas que nasceram para dançar e outras, simplesmente, para contar histórias”.

O filme fala sobre saber ouvir boas estórias e sobre como tratar as diferenças. De maneira didática, dá uma lição aos que vivem pensando somente no imediatismo das coisas e também àqueles que demasiadamente se despreocupam com o amanhã. No mais, se os argumentos apresentados acima não forem convincentes, vale ser visto por como conduz a história de um romance improvável entre personagens de idades tão distintas. Além, é claro, para conferir detalhes responsáveis por 13 indicações ao Oscar. Bom filme!

Ficha Técnica:
Título no Brasil: O Curioso Caso de Benjamin Button
Título Original: The Curious Case of Benjamin Button.
Tempo de Duração: 166 minutos
Direção: David Fincher
Orçamento: US$150.000.000 (estimado)
Roteirista(s): Eric Roth, Robin Swicord, F. Scott Fitzgerald
Elenco: Brad Pitt;
Cate Blanchett;
Tilda Swinton;
Taraji P. Henson;
Jason Flemyng;
Elias Koteas
e Julia Ormond
Categorias em que concorre ao Oscar: Melhor filme; Melhor diretor - David Fincher; Melhor ator - Brad Pitt; Melhor atriz coadjuvante - Taraji P. Henson; Direção de Arte - Donald Graham Burt e Victor J. Zolfo; Fotografia - Claudio Miranda; Figurino - Jacqueline West; Edição (filme) - Kirk Baxter e Angus Wall; Maquiagem - Greg Cannom; Música (trilha sonora original) - Alexandre Desplat; Mixagem de Som - David Parker, Michael Semanick, Ren Klyce e Mark Weingarten; Efeitos Visuais - Eric Barba, Steve Preeg, Burt Dalton e Craig Barron; Melhor Roteiro Adaptado - Eric Roth.

AOS DISTANTES AMORES - Série "Avulsos". Texto I

2009-01-26T17:37:00.000-08:00

Por Diogo Azoubel

Um dia me perguntaram se eu acreditava em amores distantes. Por correspondência. De pronto respondi que não. “Como se pode amar alguém que não permaneça efetivamente ao nosso lado? Alguém de quem não se pode sentir o cheiro?”, disse. Foi então que a vida, do alto de sua sabedoria, me ofereceu, mais uma vez, a Mudança de Hábito.

Como que por combinação, a noite nublada e fria do início de janeiro traria junto com a chuva meu primeiro e, até então, único amor de verão. Em um espaço impróprio aos olhares mais líricos o inesperado aconteceu. Entre meias palavras e beijos apressados decidimos que somente Abraço(s) Partido(s) não seriam o suficiente.

E rimos, e corremos dos pingos gelados da madrugada, e desviamos os olhos por medo e receio infantis. Contamos, ouvimos, sentimos. Fomos ali, enfim, nós mesmos. Apaixonados pela proximidade de corpos ainda tão distantes. Como nos filmes Antes do Amanhecer e Antes do Pôr do Sol, em que os protagonistas conhecem a separação iminente, mas não desistem de si mesmos.

Já despido de qualquer preconceito ou amarra, decidi lutar pelA Paixão arrebatadora típica do cinema romântico. E, como na poesia de Vinícius, preferi acreditar que seria eterno enquanto durasse nosso amor, nossa Atração (Fatal? Não!). Assim sendo, não havia espaço para o passado, tampouco para a insegurança dos relacionamentos que começam sem alicerces o bastante fortes. Tudo deletado!

Coragem estampada na face, o Sol brilhando sobre nós nos dias em que se esperava pela chuva. Roupas no varal e café na mesa. O suficiente para alimentar os desejos de corações (curiosos e) abatidos pela surpresa de interação e intimidade instantâneas, eficazes. Porém, era preciso mais que simples promessas de um futuro comum. Era preciso pensar No Dia depois de Amanhã, na aprovação dos amigos, no cinema de domingo, no jantar e na porta trancada.

“Como lutar, então, contra tamanho despreparo e inexperiência”? De tanto pensar, pensei que seria melhor não lutar, não nadar contra a corrente de coisas boas que me levava rumo ao desconhecido. Assim sendo, aproveitei a vista. Vi paisagens maravilhosas, senti a brisa no rosto e o cheiro do rio. Percebi o espinho do ciúme e até achei aceitável. Briguei pelo que queria, mas não esqueci de mostrar a mim e aos meus defeitos. Bem recebidas Revelações.

E sobre o sorvete, bem... se já não disse: “estava delicioso, mesmo além da cereja”. Sendo a racionalidade gerindo minha vida, não poderia esquecer dos lençóis estampados em branco e preto tal qual na canção do Chico: “Já conheço os passos dessa estrada, sei que não vai dar em nada...”. Ainda assim, depois de tudo (dAs horas e pensamentos de estrada, do biscoito lacrado como lembrança e das camisas no cabide), preferi continuar acreditando que cada poesia é sempre uma nova e que, nesse caso que vos conto, a solidão possa não ser uma constante.

De agora em diante não pretendo mais duvidar das pessoas. Espero enxergar além do óbvio e ter forças para dividir uma história que parece apenas ter começado. No mais, que as lições básicas de poesia e fisiologia façam cada dia mais feliz e diferente do anterior. Pois, como já disse, “não costumo desistir das coisas. Com você não será diferente”. Boa noite, boa sorte...

NA NATUREZA SELVAGEM

2009-01-10T08:57:00.000-08:00

Por Poliana Ribeiro

Existem filmes que são verdadeiras experiências de vida, mesmo que totalmente distantes da realidade a que se está acostumado. Mas, para que isso aconteça, é preciso uma comunhão de fatores: uma direção competente, uma boa história pra contar, uma fotografia tocante e uma trilha sonora bem escolhida. É exatamente o que se tem em Na natureza selvagem.

Dirigido por Sean Penn – que tem conseguido mostrar o seu valor no cinema -, o filme é não apenas um deleite aos olhos e aos ouvidos, graças à direção musical de Eddie Vedder, como também é uma excelente história que emociona até as criaturas mais resistentes a um bom drama. Ao contrário do que se possa pensar, a emoção provocada pelo filme não é resultado de um roteiro forçado, mas de uma trajetória real muito bem contada.

Depois da formatura, o jovem Christopher McCandless, de 22 anos, que nunca teve uma boa relação com os pais, ricos e sempre preocupados com status, resolve lançar-se ao mundo com a sua mochila nas costas, em um carro velho que, logo nos primeiros quilômetros de estrada, dá problemas e é abandonado pelo desapegado rapaz. Mas, diferente da maioria dos mochileiros, que sonham percorrer o mundo, o objetivo do jovem é embrenhar-se no Alasca e tentar sobreviver apenas do que a natureza lhe oferece. A idéia é ficar o mais distante possível da civilização – leia-se os pais - e do conforto e da comodidade que ela proporciona.

Assim, de carona em carona, o agora Alex Supertramp, como ele mesmo passa a se denominar, influenciado por escritores como Jack London, Leon Tolstoi e Henry David Thoreau, experimenta momentos de pura liberdade, que rendem belas cenas, como quando está no alto de uma montanha ou descendo uma corredeira. Disposto a sobreviver por si próprio, Alex tem a sorte de encontrar um ônibus abandonado, que já serviu de morada para outra pessoa e agora lhe abrigará das intempéries. É neste reduzido e improvisado espaço que ele faz suas precárias refeições, anota suas impressões sobre sua jornada solitária e coloca em dia sua leitura.

Mas apesar de esta ser uma experiência solitária para Alex, várias pessoas aparecem em seu caminho, seja um casal de hippies de meia-idade que lhe oferece carona, uma jovem cantora que ele conhece em um acampamento para onde é levado pelo mesmo casal, um fazendeiro que tem complicações com a polícia, um rapaz e uma moça que querem curtir a vida em Las Vegas e um solitário velhinho que o adota como neto.

Mais que nas tentativas de sobreviver tentando caçar animais, é por meio do contato com pessoas aparentemente comuns que Alex/Christopher consegue seus maiores aprendizados, quando verdadeiramente se conhece e torna-se um adulto. Na natureza selvagem é um filme sensível sem ser piegas, que induz a reflexões sem ser moralista ou politicamente correto. Em suma: a história de alguém que viveu intensamente e teve tempo de entender a verdadeira essência de ser humano.

Ficha técnica

Nome: Na Natureza Selvagem
Origem: EUA
Ano produção: 2007
Gênero: Aventura - Drama
Duração: 140 min
Classificação: 12 anos
Direção: Sean Penn
Elenco: Emile Hirsch, Catherine Keener,
William Hurt, Marcia Gay Harden, Hal Holbrook

VICKY CRISTINA BARCELONA

2008-12-09T06:41:00.000-08:00

Por Diogo Azoubel

Junte locações elegantes, trilha sonora curiosa e ótimas atuações. Adicione uma pitada de humor sarcástico e fartas porções de romances dissimulados. Leve ao forno até dourar e, depois de descansada, a massa deve ser servida em uma mesa montada para duas pessoas sob a luz de velas numa noite de verão. Loucura? Devaneios juvenis? Não, este é o novo filme de Woody Allen. Vicky Cristina Barcelona quase peca pela ousadia, mas, depois de tantas idas e vindas de seus personagens estranhamente apaixonados, consegue ser interessante.

Filmado em Barcelona, Espanha, o longa negligencia o tradicional ufanismo estadunidense para propiciar novos horizontes ao diretor. Match Point e Sonhos de Casandra, ambos rodados em Londres, são outros exemplos da iniciativa que deu certo. No enredo, duas amigas viajam juntas para tentar, mesmo que inconscientemente, descobrir suas próprias essências. Vicky (Rebecca Hall) e Cristina (Scarlett Johansson) são jovens e possuem visões distintas do que seria o sucesso, a plenitude, sobretudo no amor.

A primeira, sistêmica e dedicada, tenta conciliar os estudos superiores sobre o universo catalão com o protótipo de um noivado que parece apontar para um casamento perfeito. A segunda, desprendida e aventureira, não mede esforços para aproveitar bem a vida e, desta maneira, tentar esquecer a frustração por não ter traçado um rumo para a própria vida. Em comum, além da amizade e respeito mútuos, as personagens despertam no artista plástico Juan Antonio (Javier Bardem) o desejo sexual impulsivo. Complicado demais? Tudo se resume a um convite direto feito sem rodeios durante um jantar.

Boa comida, bebidas e muito sexo: estes são os argumentos de Juan para convencer Vicky e Cristina a deixarem Barcelona e seguirem para Oviedo. A figura do narrador, largamente usada durante o filme, ajuda a entender o porquê Vicky aceitaria um convite tão abrupto. Fato é: em Oviedo há uma inversão comportamental entre as duas amigas, o que resulta no deleite do público com as situações que dali surgem.

Enquanto Vicky tenta concluir sua pesquisa acadêmica, Cristina começa a viver o romance mais intenso de sua trajetória, o que, teoricamente, seria capaz de norteá-la de alguma forma. Já as mentiras brancas, culpa e traições são os alicerces para que a ex-esposa de Juan, Maria Elena (Penélope Cruz) reapareça após uma de suas diversas crises emocionais e, assim, garanta boas risadas com seu temperamento explosivo. Sobre o beijo de Scarlett e Penélope: nada de fenomenal não fossem as atrizes que o protagonizam.

Tudo no longa parece ter sido feito para saltar aos olhos e pegar de surpresa quem o consome. A Barcelona mostrada é charmosa, imponente, tímida e fugaz. Doses grandiosas de Guadí e Miro enquadram a mistura entre o racional e o inaceitável, enquanto a música tema, Barcelona, do grupo Giulia y los Tellarini, silenciosamente gruda nos ouvidos e no carpete. E, em meio ao embaraçoso ciclo de relacionamentos, lições para a vida a dois podem e devem ser copiadas.

Vale ser visto pela imprevisibilidade com que as cenas são conduzidas, pelo apelo poético e mesmo pelo clima nostálgico das paixões ainda não vivenciadas. Vicky Cristina Barcelona é um convite aos desejos reprimidos e meio sujos que todos temos, além de questionar o mercado do corpo e das relações afetivas atuais. Sem dúvidas ótima programação, mesmo para os mais conservadores e, sobre o final de toda a trama: sentir é bem melhor que ler. Até!

Ficha Técnica:

Título no Brasil: Vicky Cristina Barcelona

Título Original: Vicky Cristina Barcelona.

Tempo de Duração: 69 minutos

Direção: Woody Allen

Elenco: Scarlett Johansson;

Penélope Cruz;

Javier Bardem;

Rebecca Hall;

Chris Messina;

Patricia Clarkson;

Carrie Preston.

CASA VAZIA (Bin-jip)

2008-11-10T05:41:00.001-08:00

Por Diogo Azoubel

“É difícil dizer se o mundo em que vivemos é uma realidade ou um sonho”.

Confesso que quando ouvi pela primeira vez o nome do diretor sul-coreano Kim-Ki Duk fiquei curioso para saber do que, ou de quem se tratava. Na verdade, essa é uma daquelas situações que nos fazem desejar saber mais sobre a obra de um artista. O filme Casa Vazia rompe com os padrões hollywoodianos no fazer cinema. O uso do silêncio como forma de expressão estimula o pensamento de quem vê o filme. Faz imaginar o porquê alguém viveria a vida de outras pessoas para buscar a si mesmo.

Tae-Suk é um jovem universitário que invade casas. Em silêncio ele aprecia cada detalhe da nova morada na qual, curiosamente, não permanece mais que algumas horas. Inesperadamente, a bela Sun-hwa entra em sua vida e, juntos, eles vivenciam uma história de amor que ultrapassa as fronteiras da linguagem verbal.

Feito para ser sentido, o longa não apresenta inovações no uso de efeitos especiais. Pelo contrário, a simplicidade com que cada cena é filmada aproxima o espectador das situações mostradas e o faz questionar os limites entre realidade e fantasia.

Vale ser visto pela suavidade da trilha sonora, bela cenografia refinada e pelo apelo diferenciado no desenvolvimento do enredo. Sem dúvidas, ótima opção para quem procura inovação e opções para desfrutar boa companhia.

Outros Títulos: Primavera, Verão, Outono, Inverno e... Primavera
Time – O Amor Contra a Passagem do Tempo

FICHA TÉCNICA
Título: Casa Vazia (Coréia do Sul, Japão, 2004)
Títulos Alternativos: 3-Iron / Bin jib / Empty Houses
Gênero: Drama
Duração: 88 min.
Tipo: Longa-metragem / Colorido
Diretor: Ki-duk Kim
Distribuidora: Imovision
Produtora(s): Kim Ki-Duk Film, Cineclick Asia
Roteirista: Ki-duk Kim
Elenco: Seung-yeon Lee, Hee Jae, Hyuk-ho Kwon, Jeong-ho Choi, Ju-seok Lee, Mi-suk Lee (2), Sung-hyuk Moon, Jee-ah Park, Jae-yong Jang, Dah-hae Lee, Han Kim, Se-jin Park, Dong-jin Park, Jong-su Lee, Ui-soo Lee

AMIGOS, AMIGOS, MULHERES À PARTE

2008-11-04T11:05:00.000-08:00

Por Diogo Azoubel

Definitivamente, este não é um dos filmes que você veria ao lado da sua avó. Ao contrário da maioria das comédias românticas produzidas atualmente, esta apresenta sem muitos pudores uma série de situações envolvendo sexo e práticas pouco difundidas na sociedade patriarcal de moralismos e restrições.

No filme, Kate Hudson dá vida a Alexis. Jovem, moderna e bonita, a personagem parece não ter medo de estreitar seus laços mais íntimos com um desconhecido. Tank, interpretado por Dane Cook, é o amigo cafajeste (e meio sujo) dos ex-namorados arrependidos.

Chamado geralmente após o fim dos relacionamentos, Tank tem a missão de convencer as recém solteiras de que seus antigos namorados eram perfeitos para namoros e, talvez, casamentos. Assim, utiliza o instrumental mais baixo de seu vocabulário e age como se a falta de bom senso fosse comum entre as pessoas.

Já o Dustin, de Jason Biggs, é o melhor e mais hetero amigo gay de toda garota. Atencioso e dedicado, ele não consegue externar satisfatoriamente o amor que sente por Alexis. Desesperado pela segunda chance de um relacionamento prematuro, ele acaba criando desastrosa série de tensões irreversíveis no processo de conhecimento e apreciação entre duas pessoas.

Depois de alguns almoços frustrados e olhares não correspondidos, Dustin cede à tentação e contrata os serviços de Tank, com quem, aliás, possui relações familiares. Forçadas as devidas casualidades, é hora de agir. Deste momento em diante, a aproximação com Alexis é capaz de fazer rir os espectadores mais céticos.

Na verdade, é preciso esquecer certos pudores para enxergar a mensagem distorcida veiculada entre “xanas” e “pintos”. Trata-se de um convite à busca da plenitude permitida pelos relacionamentos afetivos. E, embora não pareça, essa é uma necessidade comum e intrínseca aos seres humanos.

O filme trás uma série de lições sobre como encarar a vida a dois. Disfarçadas de piadas, elas incidem diretamente sobre valores como respeito, consideração, amizade e confiança. Apesar do orçamento pouco modesto de US$ 45 milhões, o filme não apresenta inovações no uso de tecnologias e esbanja elegância nos figurinos, mesmo nos mais casuais.

Sobre a trilha sonora: apesar de interessante e eclética, passa quase despercebida entre os sorrisos frenéticos que vêm da platéia. Enquanto o trabalho dos atores, mesmo satisfatório, não excede os limites entre a atuação aceitável ou não. De fato, eles [os atores] fazem o dever de casa, e só.

Vale ser visto pela energia de Kate Hudson, pelo sorriso de Dane Cook e pela falsa inocência de Jason Biggs. Além é claro, das divertidas exemplos do que se deve, ou não fazer no momento da conquista. Veiculadas durante os 101 minutos do longa, chamam atenção pela simplicidade com que são expostas.

Ótima opção para quem quer se divertir na companhia de amigos, familiares e/ou pretendentes. No mais, aprendizado perfeito para quem ainda não conseguiu se desvencilhar de relações do passado. Afinal, muitas vezes, é melhor permanecer correndo e deixar que o parceiro de corrida se levante sozinho e aprenda com o próprio tombo.

Ficha Técnica
Título no Brasil: Amigos, Amigos, Mulheres à Parte
Título original: My Best Friend's Girl
Elenco: Kate Hudson,
Lizzy Caplan,
Alec Baldwin,
Dane Cook,
Jason Biggs,
Diora Baird,
Diora Baird,
Amanda Brooks.
Direção: Howard Deutch
Gênero: Comédia
Duração: 101 min.
Distribuidora: Imagem Filmes

ENSAIO SOBRE A CEGUEIRA

2008-09-16T12:46:00.000-07:00

Por Poliana Ribeiro

“Em terra de cego, quem tem olho é rei”. O dito popular soa falso após a exibição do filme Ensaio sobre a Cegueira, dirigido por Fernando Meireles e adaptado da obra do escritor português José Saramago. Na realidade, como bem demonstra o longa-metragem, enxergar quando os outros não podem fazê-lo soa demasiado cruel, principalmente quando o governo se isenta de qualquer responsabilidade e simplesmente isola seus “cidadãos”.

A hipotética cegueira branca começa em um sinal de trânsito, quando um homem comum tem a sensação de estar mergulhado em um “mar de leite”. Dali a poucos instantes, os que tiveram contato com ele – como o homem que o levou até o seu apartamento, para depois roubar-lhe o carro, o médico que o consultou, a esposa - também passam a experimentar a estranha sensação, que acaba, pouco a pouco, atingindo todos os habitantes da cidade. Todos menos uma: a esposa do médico (Mark Ruffalo), interpretada por Julianne Moore. É ela quem recebe a difícil missão de guiar todos os outros, que agora estão confinados em um manicômio abandonado para evitar o que os governantes descrevem como uma epidemia.

Sozinha, já que não pode dividir com os demais o seu segredo, ela assiste ao mais decrépito retrato do caos a que o ser humano pode se submeter quando perde o domínio da situação. Os anônimos – já que os nomes nunca são ditos e, na verdade, pouco importam naquele momento – se amontoam como animais e tentam apenas sobreviver, sem nunca pensar em se adaptar a sua nova condição. Mesmo depois de passado algum tempo, eles não tentam criar nenhum tipo de organização e apenas esperam uma decisão de fora.

A passividade dos novos cegos não difere muito da dos cidadãos “normais” – com a única diferença de que estes vêem por onde estão caminhando. Assim, Saramago critica a postura apática de quem sempre espera uma resolução do governo para os seus problemas, e mostra a incapacidade dos que tentam mudar alguma coisa sozinhos, a minoria que tem seus gritos abafados – personificados pela mulher do médico. Nada mais apropriado para o atual momento, época de eleições, quando novamente os cidadãos são chamados a decidir sobre suas próprias vidas. E como fica claro no livro e no filme, quando isso não acontece, instala-se um domínio de poucos – no caso o personagem interpretado por Gael Garcia Bernal e seus comandados da Ala 3 – que decidem o rumo de muitos. Aliás, mais uma vez o ator mexicano demonstra porque é um dos mais elogiados da atualidade.

O caos sugerido na obra de Saramago ganha contornos reais no longa-metragem de Fernando Meireles. Demonstrando estar construindo uma sólida carreira no cinema mundial, o brasileiro – que dirigiu Cidade de Deus e O Jardineiro Fiel - conseguiu extrair o melhor da obra portuguesa e colocou sua própria assinatura na produção. Seria até esperado em um filme sobre cegueira utilizar recursos como fundos brancos – característica da doença - que aos poucos revelam outras imagens, sons mais evidentes, mas Meireles utiliza tudo com muita sabedoria e nunca carrega na mão. Só para ilustrar a competência da câmera do diretor, um simples detalhe como um cesto de frutas em cima de uma mesa, que poderia parecer algo despretensioso, é filmado com um objetivo específico. Como deve ser o bom cinema, toda cena, mesmo a mais banal, deve ter um sentindo na obra.

De negativo, talvez tenha faltado explorar melhor a densidade dramática de alguns atores – como a brasileira Alice Braga - para aprofundar mais o conflito psicológico dos personagens. Mesmo que um roteiro adaptado tenha a difícil missão de extrair apenas o essencial de uma obra escrita, é perceptível a ansiedade de Meireles para entrar logo nas conseqüências catastróficas da cegueira, o que o faz acelerar um pouco nos minutos iniciais do filme. Por mais que queira ter sido fiel ao livro de Saramago, o diretor poderia ter criado seu próprio ritmo, explorado melhor seus personagens, que sempre parecem muito mais superficiais do que deveriam ser, embora seus conflitos pessoais sejam irrelevantes para a história – como fica claro pela ausência de nomes. Ainda assim, esses detalhes não comprometem a obra.

Ensaio sobre a cegueira – livro e filme – é uma metáfora. Aqui não cabem questionamentos irrelevantes do tipo: “Como surgiu a doença?”, “Por que o governo resolveu confinar os cidadãos em um manicômio e não procurou uma cura?”. A cegueira é o estado de consciência do ser humano, que todos os dias arrasta-se para frente sem nunca enxergar por onde caminha. Ressalte-se o fato de que nem todos estão cegos – como a mulher do médico -, mas a estes pouco resta a fazer. Na verdade, estes podem contribuir com muito mais do que imaginam, talvez só não tenham se dado conta disso.

ERA UMA VEZ...

2008-09-01T09:58:00.000-07:00

Por Poliana Ribeiro

Assim como uma flor pode brotar entre pedras, os sentimentos mais puros podem nascer onde menos se imagina. Para os que acreditam que o homem é produto do meio, o personagem Dé, do longa-metragem Era uma vez..., seria tão somente obra da ficção. Seria se seu intérprete não fosse um legítimo filho de uma favela carioca, que poderia ter, de fato, vivido a história de amor criada por Breno Silveira no filme que está em cartaz nos cinemas brasileiros.

O ator Thiago Martins, que integra o grupo Nós do Morro, é o exemplo vivo de que qualquer delimitação do ser humano por suas origens é sempre muito rasa. Embora tenha nascido em uma favela, onde o que predomina é o crime e a violência, o ator conseguiu se desvencilhar das armadilhas do tráfico de drogas e encontrou refúgio na arte.

Essa trajetória de superação – que não é tão incomum quanto muitos acreditam – dá mais verossimilhança ao longa-metragem. Talvez se o intérprete de Dé fosse um ator global, de classe média alta, não fosse tão fácil acreditar na história de amor entre o simples vendedor de cachorro-quente da praia de Ipanema e a patricinha rica que mora no prédio em frente ao quiosque onde ele trabalha. Mas essa releitura de Romeu e Julieta à brasileira poderia ser uma história real, com direito a manchetes em jornais.

Dé e Nina são de mundos opostos, mas, contraditoriamente, vizinhos. Trajetórias que se tangem o tempo todo, mas ignoradas por convenções sociais. Ele, um morador de favela que viu um irmão ser assassinado e o outro injustamente preso, e tenta sobreviver incólume ao crime no morro do Cantagalo, pagando um alto preço por isso. Ela, a patricinha rica que acaba de viver uma desilusão amorosa e começa a ficar entediada com a vida fútil que leva.

Não é de uma hora para outra que Nina consegue ver Dé além de suas vestes de vendedor de cachorro-quente, mas, quando isso acontece, tem-se cenas divertidas, românticas e delicadas. Por pouco tempo é possível acreditar que aquele amor juvenil é mais forte do que tudo, até que a própria realidade – personificada pelo pai da garota, que tenta tirar o casal daquele lindo sonho.

Sem pretensões de criar grandes novidades, o cineasta Breno Silveira conseguiu realizar um filme simples, singelo e eficiente. Aliás, a correção formal tem sido uma característica na filmografia do diretor, responsável pelo também regular Dois Filhos de Francisco. Em uma época em que cada vez mais diretores e produtores de cinema buscam fugir do óbvio e criar roteiros inovadores e novas formas de utilizar a câmera, o cineasta apostou em ângulos sem grandes novidades, no cenário mais utilizado no cinema nacional atualmente – a favela - e na história de amor que se não foi a mais contada chegou bem perto disso. E conseguiu acertar em tudo.

O PERFUME – A HISTÓRIA DE UM ASSASSINO

2008-08-07T18:31:00.000-07:00

Por Diogo Azoubel

"Porque se precisava de um novo perfume a cada estação?"

A adaptação para a "telona" do best-seller de Patrick Süskind traduzido em 45 idiomas foi vista com certa preocupação por alguns críticos de arte. Como levar ao cinema, que tem a imagem como alicerce, um romance tão carregado e embasado nas sensações e prazeres conquistados pelo olfato? De fato, uma missão nada fácil. Entretanto, o diretor Tom Twyker consegue criar uma aura obscura em torno do longa que remete magistralmente à obra detentora da nada modesta marca de 15 milhões de volumes vendidos.

Tudo no filme é muito detalhado, embora não pareça. Figurinos, edição e atores são preparados como para um ritual de fé e respeito ao público. Sons quase imperceptíveis, transições ousadas e jogo de câmeras eficiente fortalecem uma lógica alheia aos atuais "enlatados" estrangeiros. A própria variedade de locações, que vão da Alemanha à França e Espanha, confirma o apreço pela qualidade desta que é a mais cara produção alemã já realizada (€ 50 milhões).

Ambientado entre os anos 1738 e 1767, o enredo aborda a trajetória do orfão Jean-Baptiste Grenouille, médico e monstro, que se transforma de maneira abrupta durante a exploração de seus desejos mais secretos. Lobo de si mesmo, Grenouille busca nos outros sua essência e identidade representada pelo cheiro inexistente de um corpo magro e abatido, cadavérico.

Nascido pouco antes da Revolução Francesa, Jean é rejeitado por sua jovem mãe. Encontrado em meio aos restos e vísceras de peixes, o recém nascido condena com seu primeiro choro àquela que lhe deu, ou quis negar, a vida em meio a um barulhento mercado. Tudo retratado em tons de cinza que chegam a causar asco.

As analogias parecem óbvias, mas merecem atenção redobrada por estarem ligadas a um período onde política e relações sociais se desenrolavam de maneira controversa e unilateral. Burgueses pressionando o Estado fétido e injusto, talvez seja essa a situação que tenha dado nome a obra. O Perfume: equilíbrio entre ceder e cobrar a si e ao próximo.

O trabalho dos atores convence em simplicidade e reações comedidas. Porém não alcança o máximo no que concerne à mudança comportamental de Jean. A música varia conforme o desenvolvimento do enredo e acompanha perfeitamente o desenrolar de cada cena, enquanto os figurinos surpreendem pela riqueza.

Na maioria em tons de cinza, com acabamentos propositalmente falhos, ligam os expectadores ao clima do Século XVIII de maneira eficaz. A maneira como os nobres burgueses são caracterizados também merece destaque em relação ao antagonismo vislumbrado no confronto com as primeiras seqüências exibidas. Luxo e simplicidade, cores e tecidos desbotados são apenas alguns exemplos que distanciam os transeuntes parisienses dos elegantes habitantes de castelos e fazendas nada modestas.

Sobre o final, bem, a seqüência onde o protagonista é conduzido até o local onde seria executada seria perfeita para encerra a obra, não fosse a fidelidade com que o roteiro segue os fatos narrados no livro. Seria uma forma de subjugar a inocência diante da ignorância com que os crimes são cometidos friamente? De qualquer forma, o conhecimento empírico adquirido por Grenouille lhe serve, ao menos, para condenar a si mesmo “...embora fosse velha a tentação de ir embora e se esconder numa caverna.”

(Obs:) Repare em como o dom do personagem torna-se uma obsessão cega a cada novo corpo / perfume feminino experimentado por ele.

Ficha Técnica:

Título no Brasil: Perfume: A História de um Assassino

Título Original: Perfume: The Story of a Murderer

Tempo de Duração: 147 minutos

Classificação: 16 anos

Direção: Tom Tykwer

Elenco: Ben Whishaw;
Dustin Hoffman
Alan Rickman;
Rachel Hurd-Wood;
John Hurt.

Assista ao trailer do filme clicando aqui.

A MÚMIA - A TUMBA DO IMPERADOR DRAGÃO

2008-08-04T14:22:00.000-07:00

Por Diogo Azoubel

A série de filmes iniciada em 1999 volta trazendo no seu terceiro volume algumas novidades em relação condução do primeiro longa, baseado no roteiro escrito para o filme A Múmia (1932), por John L. Balderston. De fato, uma iniciativa interessante da Universal Pictures.

A fórmula em si não é muito diferente do que já foi exposto nos dois primeiros volumes: a família O'Connell “acorda” seres pouco amigáveis no intuíto de decifrar mensagens e tesouros arqueológicos há muito escondidos. Aliados ocultos, inimigos cruéis, pessoas de confiança que mudam de lado e efeitos especiais completam a receita que tem cativado fãs pelo mundo inteiro.

Dessa vez, as câmeras se deslocam do Egito para o Oriente, abordando terras que vão da China ao Himalaia, o que permite uma inovação aparente na estória já esgotada. Mesmo sem pirâmides, as tumbas permanecem cheias de segredos e ambições. O Imperador Dragão, interpretado de maneira plausível por Jet Li, é o vilão da vez que traz no bojo o desejo de aproximar Oriente e Ocidente para acúmulo capital dos estúdios norte-americanos. Uma boa escolha, não fosse a constante tendência “hollywoodiana” de criar imagens estereotipadas sobre outras culturas.

Tudo começa quando ganância e dissimulação fortificam os desejos do temido imperador. Obcecado pela imortalidade, ele busca maneiras de resistir ao tempo e tornar eterno seu império conquistado pela força e violência. Michele Yeoh dá vida à personagem capaz de encontrar e decifrar os segredos ancestrais que, teoricamente, possibilitariam os anseios do Dragão. Durante a busca, a feiticeira se apaixona pelo general encarregado de protegê-la. Daí em diante tudo se torna bastante previsível no romance dos dois: denúncia, intolerância, separação, violência, morte, ódio e juras de amor esterno.

Assista ao trailer de “A Múmia: O Túmulo do Imperador Dragão” clicando aqui.

Basicamente a luta entre o bem e o mal é o fio condutor de todo enredo e, de fato, a obra conquista o público antes de terminada a narração que a introduz. Infelizmente não vai além disso e cansa após os trinta minutos subseqüentes.

Sobre o que é mostrado em relação à Grande Muralha da China, símbolo do país, é no mínimo curioso imaginar que a mesma teria sido construída tendo cadáveres de inimigos do império como alicerces fortes o bastante para sustentar a imensa estrutura durante milênios.

Transições equivocadas e baixas no elenco somam para que a construção do empreendimento “morra na praia”. Maria Bello substitui Rachel Weisz no papel da Dra. Evelyn e não consegue segurar a essência da personagem inteligente e atrapalhada que permitiu reconhecimento internacional à sua antecessora. John Hannah continua vivendo o titubeante Jonathan, irmão de Eve, e não tem limites para piadas caricaturadas que chegam a ser bobas. Mais? Alex, filho de Rick e Evelyn, ensaia os passos profissionais dos pais e, obviamente, garante que a perpetuação da espécie aconteça. Será o início de uma nova trilogia?

Os pontos positivos estão ligados aos aspectos plásticos e à finalização do filme. Ainda assim, não é difícil perceber o uso de efeitos especiais equivocados e repetitivos. A grandiosidade do exército imóvel, das paisagens e a trilha sonora envolvente fazem o contraponto dessas falhas. Ainda sobre visual, mesmo pequena, a batalha entre o Imperador e a feiticeira se firma com segurança como a melhor seqüência de toda obra, muito embora não chegue aos pés do que foi visto em “O Tigre e o Dragão” (2000), por exemplo. Já Brendan Fraser, mesmo não sendo um ator de muita profundidade, demonstra boa forma e humor de sempre.

Yetis, seres que, supostamente, vivem na região do Himalaia, fazem participações durante a parte gelada do filme e, apesar de bem construídos, entristecem aos mais atentos quando fazem menção ao futebol norte americano durante seqüências de confronto que tentam ser tensas. Não conseguem, além de ser um brinde ao imperialismo cultural.

Dirigido por Rob Cohen e com roteiro assinado por Miles Millar e Alfred Gough, o filme mantém a aura mágica em torno da arqueologia, além de suscitar valores como ética e respeito. Entretanto soa mais como um empreendimento financeiramente explorável que uma obra cinematográfica verdadeiramente.

(Obs:) Repare em como toda beleza dos movimentos típicos do cinema oriental recebe um tratamento superficial neste filme. Afirmação que pode ser ratificada no apelativo confronto entre Jet Li e Fraser.

Ficha Técnica:

Título no Brasil: A Múmia: O Túmulo do Imperador Dragão

Título Original: The Mummy: Tomb of the Dragon Emperor

Tempo de Duração: 112 minutos

Direção: Rob Cohen

Elenco:
Jet Li;
Brendan Fraser;
Maria Bello;
John Hannah.

A MORALIDADE NO UNIVERSO DE GOTHAN

2008-07-24T13:09:00.000-07:00

Por Poliana Ribeiro

Em uma visão simplista, as adaptações de quadrinhos para o cinema teriam como função apenas entreter o público. Porém, um olhar mais apurado sobre as produções das últimas décadas revela muitas discussões nesses filmes, definidos por muitos como apenas “diversão despretensiosa”. O exemplo mais recente é o de Batman – O Cavaleiro das Trevas, que não é apenas uma excelente produção do ponto de vista comercial, mas um filme com bastante conteúdo.

Engana-se quem pensa que a morte do ator Heath Ledger – intérprete do vilão Coringa – foi o fator preponderante para levar todos os holofotes para a produção, que passou a ser considerada uma das mais aguardadas do ano. Esse é um fato que não pode ser desconsiderado, mas tem seu poder minimizado quando se assiste à continuação de Batman Begins.

O merecido sucesso de Batman – O Cavaleiro das Trevas, dirigido por Christopher Nolan, é resultado de um conjunto cada vez mais raro quando se fala em produções dos grandes estúdios norte-americanos: uma direção competente, um elenco primoroso, o que há de melhor em termos de tecnologia, mas, acima de tudo, um roteiro de qualidade. Se não tivesse conteúdo, Batman – O Cavaleiro das Trevas seria apenas mais um investimento comercial, um blockbuster vazio.

Mas este não é o caso. A moralidade, a ética, a tênue linha entre o bem e o mal, questões pertinentes à natureza humana são discutidas com maestria nesta seqüência. É neste sentido que o Coringa de Heath Ledger deixa o antigo personagem interpretado por Jack Nicholson – que teve seu brilho na época e seguiu a linha escolhida pelo diretor Tim Burton – anos-luz atrás. Ele não é apenas um lunático, um bufão que se diverte com o sofrimento alheio, mas alguém que entende – ou pelo menos acha que entende – e tenta trazer à tona os mais recônditos aspectos da alma humana, aqueles íntimos desejos que ninguém tem coragem de revelar, aqueles sentimentos perversos que até o mais incorruptível dos homens – personificado no filme pelo promotor Harvey Dent – algum dia de sua vida terá.

Batman – O Cavaleiro das Trevas merece todas as atenções que roubou para si, não porque é fruto de milionários investimentos em propaganda ou porque integra um gênero que conseguiu sobressair-se da visão preconceituosa e ganhar admiradores mesmo entre quem nunca folheou uma revista em quadrinhos. O filme é uma reflexão bem pertinente nos dias de hoje, em que os que deveriam zelar pela segurança apontam suas armas para os cidadãos comuns, porque mostra que qualquer definição maniqueísta do ser humano é sempre muito rasa.

Muitos aspectos de Batman – O Cavaleiro das Trevas poderiam ser citados, mas nenhum revelaria completamente a essência do longa-metragem. Nem as cenas alucinantes – como o Batman pegando carona em um avião em pleno vôo –, as tiradas levemente cômicas ou mesmo os confrontos entre os dois personagens principais, sempre marcada por diálogos precisos. Nada deve ressaltar mais aos olhos do que a vertente reflexiva do filme.

E aqui cabem sim todas as homenagens a Heath Ledger, o grande motivador desta abordagem, pois é o seu personagem quem alavanca essas discussões. Mas Ledger não está sozinho, ele não leva o filme nas costas, como alguns poderiam supor. Sua interpretação também é resultado da direção precisa de Nolan e de sua interação em cena com Christian Bale, que mantém o ritmo que criou para a sua versão do Batman, de longe a mais verdadeira e a que ficará.

Ao final da projeção, é impossível não ser levado ao questionamento: por que Heath Ledger morreu tão precocemente?

Ficha Técnica:

Título: Batman - O Cavaleiro das Trevas

Origem: Estados Unidos

Ano: 2008

Gênero: Ação

Duração: 152 min

Direção: Christopher Nolan

Elenco: Christian Bale, Heath Ledger, Michael Caine, Gary Oldman, Morgan Freeman, Aaron Eckhart, Maggie Gyllenhaal

“O CRÍTICO NÃO DEVE SER GUIA DE CONSUMO”

2008-07-18T17:08:00.000-07:00

Por Poliana Ribeiro

Dos filmes mudos dos anos 20 ao Cinema Novo brasileiro, passando por movimentos estéticos importantes em todo o mundo, como a Novelle Vague, na França, e o Neo-realismo italiano, o crítico de cinema Marcelo Lyra discutiu, durante três dias, um pouco da evolução da Sétima Arte, em seus mais de cem anos de existência. O jornalista de São Paulo, que assina críticas cinematográficas da revista Isto É Gente e do site Cinequanon, ministrou, em São Luís, a Oficina de Crítica Cinematográfica, que integrou a programação do 31° Festival Guarnicê de Cinema, . Em entrevista, Marcelo Lyra destaca a importância do crítico na atualidade e aponta a internet como um meio de democratização dos textos críticos.

CONTEMPLART - Uma das primeiras afirmações que você fez na sua aula é que o crítico sabe um pouco mais, mas não é tão inatingível quanto muitas pessoas pensam. Na sua opinião, qual o papel do crítico atualmente?

MARCELO LYRA – Eu acho que o papel do crítico é iluminar um pouco o caminho do leitor. Porque, às vezes, você vai assistir a um filme de um cineasta mais difícil, por exemplo, como o Bergman (Ingmar Bergman, cineasta sueco que morreu no ano passado), e é difícil você cair de pára-quedas no cineasta tão autoral e entender. Você vai ter o estranhamento e vai acabar não gostando, dizendo que Bergman é ruim. E Bergman não é ruim, você só precisa entender o estilo de trabalho dele. E, às vezes, uma crítica boa ilumina o leitor e ajuda muito. Então, o bom crítico faz isso. O problema é quando o crítico acha que basta saber o que o povo sabe e que ele vai orientar se o filme é bom ou é ruim. É o guia de consumo, esse é o mau crítico.

CONTEMPLART – No passado, existia um espaço mais dedicado à crítica nos jornais e, atualmente, o jornalismo cultural é mais voltado para a informação. Como é que você avalia o atual momento da crítica? Ainda tem espaço para essa modalidade de texto?

MARCELO LYRA – Os jornais, em São Paulo, por exemplo, têm reduzido muito o espaço da crítica. Nos jornais do interior de São Paulo, então, o espaço é cada vez menor. Cada vez mais, os jornais querem só um release; eles reproduzem o que as distribuidoras dão, repetem as informações que as empresas mandam para as redações de jornal, e pronto. Não estão preocupados com o cinema em si. Mas, em compensação, a internet abriu um espaço muito grande para a criação de sites sobre cinema. Então, tem vários sites novos por aí, tem muita coisa se descobrindo. Acho que, se por um lado a porta se fecha, por outro abre. A internet, por exemplo, não tem limitação de espaço. Você pode escrever críticas grandes ou pequenas. Se bem que a crítica muito grande nem todo mundo tem tempo pra ler. Eu vejo sites que fazem críticas de três laudas, e, às vezes, na internet, as pessoas estão com pressa. E você pode ser conciso, você tem que desenvolver uma técnica de concisão. Uma lauda, por exemplo, dá pra fazer uma boa fala sobre cinema, bem objetiva, para não ser tão prolixo.

CONTEMPLART – A internet tem essa função importante de democratizar o acesso à crítica, mas você não acha que ela pode acabar padronizando um pouco os textos, deixando todos muito iguais, e, com isso, o crítico pode perder sua identidade?

MARCELO LYRA – Não, porque a internet permite que o crítico seja mais autoral mesmo. Enquanto nos jornais você tem que seguir um padrão, na internet você tem muito mais liberdade. E cada pessoa é uma pessoa, cada crítico é um crítico. Na verdade, cada um é cada um mesmo. Ninguém tem a formação cultural que você tem, por exemplo; ninguém ouviu os discos que você ouviu; ninguém leu todos os livros que você leu; ninguém viu todos os filmes que você viu. Então, você tem a sua formação. Você vai escrever de um jeito, influenciado por tudo o que você leu, viu e ouviu. E outras pessoas vão escrever de outro jeito. Você é reflexo do que você leu, viu e ouviu, e assim é para o crítico também. Claro, o crítico viu muito mais filmes, e ele é tão melhor quanto mais filmes ele viu e mais livros ele leu.

CONTEMPLART – Na sua opinião, no cenário atual da crítica cinematográfica do Brasil, entre as pessoas que estão pensando o cinema, quem são os melhores críticos brasileiros?

MARCELO LYRA – Quem eu leio: Inácio Araújo, da Folha de S. Paulo, é um crítico muito bom. O José Geraldo Couto, da Folha, também é bom; Pedro Bucci, que também escreve na Folha, é muito interessante; tem Ricardo Carlil, que escreve na Folha e na revista Trip, também é muito interessante. Na revista Cinética, que talvez seja o site que eu mais entre atualmente, tem um cara chamado Cleber Eduardo, que às vezes é um pouco acadêmico, mas tem um olhar interessante pra cinema; nesse mesmo site também tem um cara chamado Felipe Furtado, que é interessantíssimo, que conhece muito, já viu muita coisa e escreve muito bem. A lista é muito grande, mas os que eu mais acompanho são esses.

CONTEMPLART – Como você avalia o atual momento do cinema brasileiro, e para onde você acha que o cinema nacional ainda pode crescer?

MARCELO LYRA – Essa pergunta é mais difícil. Confesso que não tenho a menor idéia. Do jeito que está vai continuar, se não mudarem muita coisa. Eu não gosto da Lei do Audiovisual, acho uma lei ruim, mas é ruim com ela e é pior sem ela. Então, eu não sei para onde vai agora. Eu sei que o ideal seria que investissem mais em editais em concursos públicos, em filmes de baixo orçamento, de até R$ 1 milhão. Que o governo tirasse um pouco desse dinheiro que é usado nas leis de incentivo e colocasse esse dinheiro em concursos públicos. Eu queria mais filmes feitos em concursos, onde fosse avaliada a qualidade do roteiro, e não como é hoje, a amizade que os cineastas têm com as empresas que patrocinam, que é o modelo atual, que é muito ruim. Acho que um dia vai chegar a esse modelo. Na Argentina, por exemplo, já é assim. Agora, quanto tempo vai demorar, isso eu não sei.

A OUTRA

2008-07-01T17:25:00.001-07:00

Por Diogo Azoubel

Esqueça o passado cinematográfico de Scarlett Johansson, Natalie Portman e Eric Bana, pois, neste longa, todos se superam de maneira audaciosa. Para tal afirmação basta que vislumbremos o quanto o trio se empenha na construção de personagens reais.

A história mundial nos presenteia, mais uma vez, com fatos que servem à inspiração de grandes autores. Quem nunca ouviu falar em Anne Boleyn (ou Ana Bolena)? Baseado no livro de Philippa Gregory, este filme é um retrato da Inglaterra no Século XVI. Intrigas, interesses políticos e ambição são os temperos da nobreza e daqueles que a ela servem.

O enredo é construído sobre a luta de duas mulheres pelo amor de um homem. Ou seria de duas cúmplices pelo poder de estar ao lado de um rei? Anne e Mary Boleyn são irmãs e amigas, compartilham tudo: dos segredos de alcova aos sonhos mais fantasiosos.

Quando surge a oportunidade de estar sob a proteção do rei da Inglaterra, Henrique VIII, a família Boleyn prepara uma série de situações que possam servir de motivos para transformar Anne em uma das ‘concubinas’ reais. Entretanto, o plano falha. Eis a coincidência que afasta, pouco a pouco, as duas irmãs.

Apaixonado por Mary, Henrique a leva, junto aos seus irmãos e pais, como troféus a uma corte desacreditada, movido pela esperança em um herdeiro homem jamais gerado por Catarina de Aragão, a hostilizada rainha. Encontros às escuras, jogos de sedução e poder completam a composição mágica dos cenários e figurinos.

Esteticamente, o destaque é para a fotografia da obra, com cenas grandiosas em cenários espetaculares. A música, sombria, emoldura o trabalho dos atores numa sintonia poucas vezes vistas no cinema (capitalista) atual.

Vale ser visto pelos pequenos detalhes, como o crucifixo pendurado na cintura de Anne, as pérolas em seu pescoço além de seus frívolos olhos; pela retomada de fatos históricos; pelo antagonismo sensível entre a ganância de Anne e a ambição de Mary; pelas lágrimas da matriarca Boleyn – espetáculo à parte, além, é claro, da cena em que Anne é coroada rainha – com enquadramento perfeito.

É cedo para falar, mas seria controverso que este longa não figurasse entre os indicados à próxima edição do Oscar.

(Obs:) Compare as últimas cenas deste filme com a primeira seqüência de seu antecessor Elizabeth (1998). Coincidência está aquém do que será percebido.

Ficha Técnica:

Título no Brasil: A Outra
Título Original: The Other Boleyn Girl
Tempo de Duração: 115 minutos
Direção: Justin Chadwick
Elenco:
Natalie Portman;
Scarlett Johansson;
Eric Bana;
Kristin Scott Thomas;
Jim Sturgess.

A MENINA SANTA

2008-06-23T09:16:00.000-07:00

Por Poliana Ribeiro

Perturbador e inquietante seriam definições bem apropriadas para o filme A Menina Santa, dirigido pela argentina Lucrecia Martel e produzido por Pedro e Agustin Almodóvar e Lita Stantic. A começar pelo olhar sempre vidrado e até um pouco assustador da personagem Amália, a protagonista da história. Mas, talvez o aspecto mais intrigante do filme seja mesmo a sutileza com que aborda questões morais, como a tênue linha entre religiosidade e profanação, algo que está muito presente nas adolescentes Amália e Josefina.

Ao mesmo tempo em que participam do coro da igreja e discutem questões bíblicas, estão sempre fantasiando sobre a sexualidade da professora de catecismo, além de elas mesmas transitarem o tempo todo entre a castidade e o desejo carnal. A busca de Amália por um sinal divino que indique a sua missão a coloca ainda mais perto desse paradoxo. Quando um médico tenta molestá-la, ela interpreta a atitude como o sinal que procurava.

De vítima inocente, Amália passa a exercer o controle da situação, quando o médico descobre que ela é filha de Helena, a gerente do hotel em que está hospedado, participando de um congresso, de quem acaba por se aproximar. A tensão fica sempre evidente nas atitudes do médico, que tenta se esquivar de qualquer proximidade com a garota, como que repudiando a própria atitude. É como se estivesse implícito que, enquanto seu ato não viesse à tona, nada sujaria sua imagem de pai de família, agora ameaçada pela presença de Amália. Porém, o que a garota quer é mostrar que a atitude pecaminosa de Jano pode ter redenção.

É na utilização da câmera para contar a história dessa menina inquieta por um sinal divino que está a maior sabedoria da diretora Lucrecia Martel. Ao invés de enquadrar os atores por inteiro, ela opta por sempre suprimir alguma parte deles, como se quisesse deixar claro que seus personagens nunca se apresentam completamente como são. Por vezes, os planos também deixam em evidência uma parte específica do corpo humano: os ouvidos. Como todas as relações mostradas no filme parecem sempre permeadas por segredos, essa foi uma metáfora interessante para deixar isso claro.

A Menina Santa é um filme que pode não ser bem compreendido logo no início – como foi dito, a sutileza é uma marca do longa-metragem argentino – mas que não deve ser descartado. Assim como todas as relações humanas são complexas e requerem tempo para serem bem assimiladas, o filme também merece alguns momentos de reflexão até que se chegue à conclusão do valor desta película, que não traz nada pronto e aposta sempre na complexidade que é o ser humano.

Ficha técnica:

Título: A menina santa (La niña santa)
Origem: Argentina / Espanha / Holanda / Itália
Ano: 2004
Gênero: Drama
Duração: 106 min
Direção: Lucrecia Martel

Elenco: María Alche, Julieta Zylberberg, Mercedes Morán,

Carlos Belloso, Marta Lubos, Mía Maestro

SEX AND THE CITY II

2008-06-10T19:44:00.000-07:00

Por Diogo Azoubel

Pare tudo o que estiver fazendo, mas não esqueça a panela no fogo, pois elas estão de volta. Carrie, Samantha, Miranda e Charlotte retornam com força total ao imaginário de homens e mulheres de todo o mundo quatro anos após o fim da série de TV que deu origem a este brilhante (literalmente) filme.

Moda, estilo e glamour são as palavras-chave da obra que consegue ser sensual mesmo ostentando óculos de leitura e algumas “ruguinhas” em suas protagonistas.

Apesar de ser um tanto cansativo (agüentar mais de 120 minutos em uma sala de cinema não é para qualquer um) a obra dirigida por Michael Patrick King consegue prender a atenção do público mesmo com tantas reviravoltas em seu enredo.

O ponto que une as belas, e já não tão novas amigas, é a crise em seus relacionamentos experimentada de maneiras diferentes por cada uma delas: Carrie e Big permanecem apaixonados, Miranda e Steve casados; Samantha, menos sensualidade e mais autocontrole, com seu namorado astro de cinema Smith Jerrod enquanto Charlotte, Harry e um lindo bebê chinês, Lily.

Assista ao trailer de “Sex and the City” clicando aqui.

Não nos cabe aqui comentar sobre os figurinos do longa, universalmente aclamados por explorar criações de Christian Lacroix e Vivienne Westwood, além de retratarem mulheres modernas e decididas que não têm medo de ousar. Entretanto vale ressaltar que nem todas as peças aproveitadas para deixar Carrie e suas amigas mais elegantes são “usáveis” cotidianamente (mesmo porque não são os mais “acessíveis”).

De volta à obra: as atuações são, em suma, tão naturais que parecem expor realidades paralelas que, durante anos, cativaram os espectadores sedentos por “mais cinco minutinhos” ao término de cada episódio exibido.

Sem dúvidas um filme para ser apreciado não somente por fãs de situações inusitadas e pelos apaixonados de plantão que encontrarão motivos de sobra para lembrar de experiências semelhantes às retratadas na tela. Vale ser visto pela riqueza do figurino, pela trilha sonora e pela ausência de falso moralismo estético ao retratar mulheres com mais de 20 anos que conseguem, mesmo assim, ser sensuais, fortes, sensíveis e alucinantes.

(Obs:) Perceba a analogia feita à amizade das quatro amigas durante todo o filme. São objetos, pessoas e (pasme) sapatos que formam simbolicamente o número “4”.

SEX AND THE CITY

2008-06-10T10:15:00.002-07:00

Poliana Ribeiro

A cumplicidade entre Carrie Bradshaw (Sarah Jéssica Parker), Miranda Hobbes (Cynthia Nixon), Charlotte York (Kristin Davis) e Samantha Jones (Kim Cattrall) talvez seja o aspecto mais feminino do filme Sex And The City – que estreou na última sexta-feira em todo o país. Mais do que o gosto por grifes famosas ou o desejo por um relacionamento duradouro, é essa forte amizade que as une a característica mais sensível e, por isso mesmo, feminina, de todo esse universo. Sim, as mulheres são competitivas por natureza, mas, quando são verdadeiramente amigas, o vínculo é sólido como rocha.

Esse aspecto, aliás, não é uma grande novidade para quem estava acostumado a acompanhar a série que deu origem ao filme – que teve sua última temporada exibida em 2004. Em todos os episódios, eram comuns as cenas das amigas, em um restaurante, conversando sobre suas conquistas, aventuras sexuais ou desencontros amorosos. Nada mais natural do que esperar esse tipo de cena também na tela grande. Aliás, nada mais natural também do que a narração de Carrie em off, a sua verdadeira adoração por sapatos ou os passeios das amigas pelas ruas de Nova York.

Para alguns, tudo isso não passa de “feminismo de butique”, mas, para outros tantos, Sex And The City foi uma revolução na maneira como as mulheres na faixa dos 40 anos eram retratadas. Elas deixaram de ocupar apenas o papel de “mãe, dona-de-casa, recatada” e passaram a ser mulheres elegantes, independentes e liberadas sexualmente. Talvez seja essa característica que atrai tanto a atenção das mulheres para a história de Carrie, Miranda, Charlotte e Samantha, pois elas vêem nas quatro amigas tudo o que gostariam de ser. O curioso é que mesmo as mais jovens são fascinadas pelo universo de Sex And The City – chegar a essa idade para elas pode não ser mais tão assustador como antes.

Sex And The City – O Filme tem um roteiro bastante previsível, nenhuma grande reviravolta e nenhuma novidade em relação a ângulos de câmera, montagem ou qualquer outro aspecto técnico do cinema. Na verdade, por alguns instantes, dá pra imaginar que se está assistindo a mais um episódio do extinto seriado, apenas com o diferencial da tela grande.

Três anos se passaram e muita coisa mudou na vida das quatro elegantes nova-iorquinas. Charlotte e Miranda estão casadas e são mães agora; Samantha parece estar conseguindo levar um relacionamento além do aspecto físico e Carrie continua às voltas com o seu complicado romance com Mr. Big. Mas, apesar das aparentes mudanças, a ligação entre elas é a mesma de outros tempos. A cidade de Nova York também continua a mesma, com outras tantas mulheres em busca de amor, sexo, estilo e amizade.

Mesmo sem uma história mais consistente, Sex And The City é um deleite para os olhos femininos, graças ao verdadeiro desfile de grifes como Gucci, Armani Louis Vutton, tudo, infelizmente, muito distante da realidade da maioria das mulheres. Mas, embora o abismo cultural seja imenso, qual a mulher que não gosta de admirar vitrines em shoppings, mesmo que não possa comprar nada do que está sendo exposto? Futilidade? Sim, um pouco, de vez em quando, não faz mal a ninguém!

Ficha técnica:

Título: Sex and The City - O Filme

Origem: EUA

Ano: 2008

Gênero: Comédia - Romance

Duração: 148 min

Classificação: 16 anos

Direção: Michael Patrick King

Elenco: Sarah Jessica Parker,

Kim Cattrall, Kristin Davis,

Cynthia Nixon, Chris Noth,

Candice Bergen

AS CRÔNICAS DE NÁRNIA - PRÍNCIPE CASPIAN

2008-06-09T18:40:00.000-07:00

Por Diogo Azoubel

Os fãs do universo fantástico criado por C.S. Lewis definitivamente não puderam se dizer decepcionados com a adaptação do livro ‘As Crônicas de Nárnia – O Leão, o Guarda-roupas e a Feiticeira’ às telonas.

O segundo volume da série criada por Lewis a chegar aos cinemas de todo o mundo é ‘Príncipe Caspain’, embora a ordem proposta pelo autor em sua obra seja outra. Nesta nova aventura Pedro, Susana, Edmundo e Lúcia se vêm de volta às terras de Nárnia. Os efeitos do tempo sobre a região mágica são notórios e produzem um misto de medo e curiosidade sobre os quatro irmãos, antigos reis e rainhas do lugar.

1.300 anos depois do reinado de Pedro, o magnífico, Caspian é o sucessor natural do trono telmarino, entretanto Miraz, seu tio usurpador, arquiteta um plano para mantê-lo longe do salão real. Eis o motivo pelo qual os irmãos Pevensie são chamados de volta à Nárnia.

Muitas batalhas e alianças deixam o filme atraente até mesmo àqueles que não viram o primeiro volume da série. Sem dúvidas um convite ao bom gosto e perícia no uso da edição de sons e imagens.

Assista ao trailer do filme clicando aqui.

Os figurinos, entretanto, são bem menos atrativos que se possa imaginar ao ler o livro que dá vida à obra dirigida por Andrew Adamson.

No longa as atuações de ‘principiantes’ nada deixam a desejar diante de elencos muitas vezes formados por estrelas sem grande talento. O destaque da trama fica por conta dos ratos guerreiros que conseguem ser corajosos, intimidadores e divertidos ao mesmo tempo.

Vale ser visto pela fidelidade garantida à adaptação, pelo entusiasmo das equipes de produção e pós-produção, pelas paisagens magníficas e, sem dúvidas, pelas seqüências das batalhas que deixariam até mesmo C.S. Lewis entusiasmado e ofegante.

(Obs:) Repare em como a rainha Susana controla seu exército de arqueiros e em como sua postura é impecável durante o filme.

Ficha Técnica:
Título no Brasil: As Crônicas de Nárnia – Príncipe Caspian
Título Original: The Chronicles Of Narnia: Prince Caspian
Site Oficial: http://www.narnia.com/
Tempo de Duração: 144minutos
Direção: Andrew Adamson
Roteiro: Andrew Adamson,Stephen McFeely,Christopher Markus
Elenco:
Liam Neeson (Aslan - voz)
Warwick Davis (Nikabrik)
Georgie Henley
Skandar Keynes
William Moseley
Anna Popplewell
Sergio Castellitto (Rei Miraz)
Ben Barnes (Príncipe Caspian)

O CINEMA DE JANE AUSTEN

2008-05-27T13:10:00.000-07:00

Por Poliana Ribeiro

Existem alguns componentes que são imprescindíveis em um bom romance. Além do ingrediente amoroso, geralmente marcado por obstáculos a serem superados, é importante ter belos cenários, tramas bem construídas e personagens complexos – embora muitos desejem o final feliz, dependendo do contexto, ele não é tão necessário. Todo esse conjunto deve estar presente tanto na literatura quanto no cinema. Talvez seja por isso que as obras da escritora inglesa Jane Austen sejam tão apropriadas às telonas, mesmo tendo sido escritas no século XVIII.

A própria vida da britânica transformou-se em um filme, embora nem tudo que tenha sido retratado em Becoming Jane represente fielmente a vida da escritora, que tem uma biografia pouco conhecida e muito

do que se diz sobre ela não passa de mera especulação. Sabe-se, por exemplo, que Austen nunca se casou, mas teve uma grande paixão. É exatamente esse amor não concretizado que serve de pano de fundo para a cinebiografia sobre a autora. O interessante é imaginar como alguém que vivenciou tão pouco o amor conseguiu abordá-lo tão bem em seus livros.

Toda essa genialidade para criar romances tão bem construídos levou Austen a ser reconhecida como uma das escritoras mais importantes da Inglaterra, ficando atrás apenas de William Shakespeare. Esse reconhecimento supera a barreira do tempo e cativa leitores de todo o mundo até os dias de hoje – basta dar uma conferida nas comunidades no Orkut dedicadas à Jane Austen e sua obra. Aliás, a admiração que os leitores da escritora exercem por ela também rendeu um filme. The Jane Austen Book Club conta a história de um grupo de pessoas que resolve se reunir para discutir seus próprios problemas a partir das obras de Austen.

Obra
A trajetória de Jane Austen foi breve, porém profícua em termos literários. A autora escreveu seis livros completos, são eles: Razão e Sensibilidade, Orgulho e Preconceito, Mansfield Park, Emma, Abadia de Northanger e Persuasão, além de alguns que nunca foram terminados. E como foi dito anteriormente, quase todas essas histórias foram bem aproveitadas no cinema, algumas sendo adaptadas enquanto outras serviram de inspiração – como em O Diário de Bridget Jones – ou tornaram-se uma espécie de referência na trama – como em A Casa do Lago, onde o livro Persuasão é componente importante na história.

Basta assistir alguns dos filmes adaptados da obra de Jane Austen para perceber as semelhanças entre eles. O mais visível talvez sejam as bucólicas paisagens campestres da Inglaterra do século XVIII - semelhantes às que a própria escritora morava – e a personalidade forte de suas heroínas, como Elizabeth Bennet, de Orgulho e Preconceito, e as irmãs Dashwood, de Razão e Sensibilidade. Embora vivam em sociedades patriarcais, as figuras femininas são sempre o centro das histórias construídas por Austen. Nos dois casos citados, por exemplo, o pai morre logo no início da trama (Razão e Sensibilidade) ou então tem uma personalidade bastante maleável, como o patriarca da família Bennet.

É uma pena que Jane Austen não chegou sequer a conhecer o cinema, pois, certamente, teria gostado de ver seu universo tão bem representado.

O MELHOR AMIGO DA NOIVA

2008-05-27T11:17:00.000-07:00

Por Poliana Ribeiro

Um dos enredos mais explorados no gênero comédia romântica certamente é o amor entre amigos. Não seria difícil elaborar uma lista com vários filmes que tenham essa trama. Talvez um dos exemplos mais emblemáticos seja O Casamento do Meu Melhor Amigo, que tem como protagonista a estrela Júlia Roberts, em um dos seus tradicionais papéis leves e bem humorados. Aliás, além de ser um dos filmes mais famosos com essa temática, também é um dos mais inteligentes.

Dessa vez, ao invés de uma amiga que se descobre apaixonada pelo melhor amigo, a situação inverte-se. Tom – o ator Patrick Dempsey, que ficou famoso por estrelar filmes da década de 80, consagrados na Sessão da Tarde, como Namorada de Aluguel – é um solteiro convicto, cheio de regras para não se envolver emocionalmente com ninguém, como nunca dormir duas noites consecutivas com a mesma mulher.

Para suprir a ausência de uma companhia feminina em sua vida - que não seja apenas para satisfazer seus desejos sexuais -, ele tem sempre ao seu lado sua melhor amiga Hannah, uma das poucas mulheres dos tempos da faculdade que não esteve em sua cama. É com Hannah que ele conversa, desabafa e passa momentos agradáveis e divertidos.

Só um cego – e o próprio Tom - não vê que os dois nasceram um para o outro e só não estão juntos porque senão o filme não teria sentindo. O problema é que Hannah cansou de esperar pelo amadurecimento do amigo. Em uma viagem a trabalho para a Escócia, ela conhece o homem que parece perfeito para ela: Colin é bonito, muito rico, educado e ainda tem sangue nobre. Depois de seis semanas longe do melhor amigo, Hannah chega com uma novidade: vai se casar.

O problema é que a distância serviu para que Tom percebe-se seus reais sentimentos pela amiga e agora ele precisa correr contra o tempo para impedir essa união. É por isso que ele aceita o inusitado convite de Hannah para ser sua madrinha de casamento. Embora com um final previsível, O melhor amigo da noiva vale por algumas cenas divertidas – nada comparado, é claro, a O casamento do meu melhor amigo. Um outro destaque é a presença do cineasta recém-falecido Sidney Pollack no papel do pai de Tom. No mais, apenas diversão despretensiosa como uma comédia romântica deve ser!

Ficha técnica:

Nome: O melhor amigo da noiva
Origem: EUA
Ano: 2008
Gênero: Comédia Romântica
Duração: 101 min
Direção: Paul Weiland

Elenco: Patrick Dempsey,

Michelle Monaghan, Kevin McKidd

HOMEM DE FERRO

2008-05-09T19:46:00.000-07:00

Por Diogo Azoubel

A rentável pratica de transformar enredos dos quadrinhos em versões cinematográficas e super produzidas, que garantam retorno financeiro e visibilidade midiática aos seus produtores, não é abandonada em Homem de Ferro. Não poderia ser diferente.

A estória de Tony Stark, inventor e maior fornecedor de armas do governo americano, se mistura em muito com as memórias de jovens e adultos sobre que vivenciaram o auge dos gibis nas últimas décadas.

Tudo no longa é muito previsível, exceto, é claro, a aparição de Robert Downey Jr. como protagonista da trama. Interesses capitalistas e irresponsáveis, vilões camuflados, profissionais da notícia dissimulados e a já banal secretária apaixonada são peças que se encaixam perfeitamente para formar o imenso mosaico desta obra.

Não, o filme não é ruim. Pelo contrário, evoca uma série de questionamentos válidos sobre até onde podem ir a luxúria, a avareza, a ira, o ódio e a busca desesperada pelo poder. Peca, entretanto, em não apostar na inovação para abordagem desta espécie cinematográfica em expansão.

Assista ao trailer de ‘Homem de Ferro’ clicando aqui.

Tudo começa quando Tony é seqüestrado e mantido refém por rebeldes afegãos. Fragmentos de uma granada se alojam em seu corpo e, para evitar que cheguem ao coração, é necessária uma espécie de bateria magnética que garanta a sobrevida de Stark.

A obrigação de construir uma réplica de sua mais potente invenção bélica é o ponto central da existência do tecnólogo e de toda trama. Em um conflito interno, Tony articula uma espécie de armadura que possa facilitar sua fuga e, de quebra, salvar algumas vidas de civis no Afeganistão.

De volta à América, a ambição dá lugar a uma pseudo-consciência em busca de um mundo melhor e mais seguro. Eis que surge o Homem de Ferro, arquitetado inicialmente para proteger o mundo de ameaças incalculáveis.

Efeitos visuais e sonoros são os destaques da pós-produção do filme. Entretanto, Gwyneth Paltrow, mesmo ensaiando um bom começo na atuação, não convence e compromete o elenco milimetricamente escolhido para “fazer dar certo”.

Vale ser visto para relembrar, mesmo que superficialmente, a saga do herói de ferro.

(Obs:) Atente para como o capital privado exerce força, poder, e influência sobre as forças armadas especialmente quando se trata do espaço aéreo norte-americano.

Ficha Técnica:
Título no Brasil: Homem de Ferro

Título Original: Iron Man

Tempo de Duração: 126 minutos

Direção: Jon Favreau

Roteiro: Arthur Marcum, Matthew Hollaway, Mark Fergus, Hawk Ostby, Stan Lee

Elenco:
Robert Downey Jr. (Tony Stark / Homem de Ferro);
Terrence Howard (Jim Rhodes);
Gwyneth Paltrow (Virginia "Pepper" Potts);
Jeff Bridges (Obadiah Stane / Monge de Ferro);
Samuel L. Jackson (Nick Fury).

LOUCAS POR AMOR, VICIADAS EM DINHEIRO

2008-04-28T09:36:00.000-07:00

Por Diogo Azoubel

Este é um daqueles filmes feitos exclusivamente para entreter ao público. Não apresenta uma abordagem crítica acerca do que é mostrado, tampouco questiona a conduta de alguns de seus personagens.

A estória começa quando Bridget Cardigan (Diane Keaton) dá adeus à sua rotina luxuosa depois da demissão de seu marido Don (Ted Danson). Na tentativa de manter as aparências, Bridget vira faxineira da sede do Tesouro Nacional e, num movimento desesperado, arquiteta um simples e perfeito plano para colocar as mão sobre algumas das milhares de cédulas velhas que são destruídas diariamente para dar lugar a dólares novos.

Plano pronto, moral na lixeira, falta-lhe somente parcerias para pôr em prática sua engenhosa invenção. Uma mãe de família, Nina (Queen Latifah) e uma jovem relativamente relapsa, Jack (Katie Holmes) são as ajudantes perfeitas para lesar o Fed. Assim, num misto de medo e ousadia, as três abocanham parte do tesouro verde.

Com o avanço e freqüência dos furtos, outros personagens tomam partido da iniciativa de Bridget. São os maridos / namorados das criminosas que parecem ser mais sensatos, parecem.
Tão previsível quanto dois e dois são quatro, o plano é descoberto, porém não há provas para condenar os réus. Logo o conflito sobre como se livrar das algemas paira sobre a cabeça de todos, exceto pela de Bridget.

Mais esperta que seus cúmplices, a personagem imagina e se prepara para mil e uma situações, o que facilita a vida de seus parceiros, dada sua importância para que estes desfrutem novamente da liberdade.

Aos poucos o espectador vai deixando de lado julgamentos sobre a conduta retratada na tela e cedendo espaço para as cenas divertidas que lhe são mostradas.

Amizade, amor cuidado são os valores que se destacam na controversa relação travada entre as três amigas e cúmplices.

O uso de poucos efeitos especiais, um figurino nada tendencioso e atores renomados em papéis pouco desafiadores, fazem do longa uma obra adequada à linguagem cinematográfica, mas pouco inovadora. A cena da chuva de dólares, estampada nos cartazes que divulgam o filme, é previsível e sem graça.

O filme peca em fazer crer, através do perfil de seus personagens, que o crime compensa e que ter dinheiro em demasia é somente um sinal para se fazer notar em uma sociedade capitalista e extremamente interesseira.

Vale ser visto para refletir sobre o real significado de bens materiais no desenvolvimento de relações sociais.

(Obs:) Atente para como o namorado de Jack parece sempre sujo e carente de um bom banho.

Ficha Técnica:

Título no Brasil: Loucas por Amor, Viciadas em Dinheiro

Título Original: Mad Money

Tempo de Duração: 104 minutos

Direção: Callie Khouri
Elenco: Diane Keaton (Bridget Cardigan);
Queen Latifah (Nina Brewster);
Katie Holmes (Jackie Truman);
Ted Danson (Don Cardigan).

O ORFANATO

2008-04-23T19:51:00.000-07:00

Por Diogo Azoubel

Falar de ‘O Orfanato’ envolve questões que vão além do simples olhar sobre o longa. A obra apresenta elementos visuais e sonoros que instigam emoções daqueles que a apreciam.

A estória se passa no Orfanato Bom Pastor e em seus arredores. Laura é uma das órfãs e consegue ser adotada, ao contrário das outras crianças que apresentam deformidades em maior ou menor intensidade. Após sua adoção um misterioso crime é cometido e é neste ponto que reside toda originalidade do filme.

No intuito de ajudar crianças semelhantes às de suas lembranças, Laura adota um menino portador do vírus HIV. Criado com muito carinho por seus novos pais, Simon parece não se importar com a falta de amigos, uma vez que os fantasia inocentemente. Entretanto, os desvarios do jovem começam a atormentar seus pais logo após uma visita à gruta próxima ao antigo orfanato já transformado em residência da família.

Portas que se abrem, ventos funestos e gemidos fazem da preocupação de Laura uma obsessão para todos ao seu redor. Sua loucura é, por vezes, garantida pelos médicos e conselheiros que a acompanham e que não concebem a veracidade de suas palavras. Clichês como estes não condenam, entretanto, a obra.

Carregada de analogias, a narrativa consegue transportar em suas cenas informações que oferecem sua finalização de maneira sutil e instigante. São pequenos sons e imagens que, somados, resultam na surpresa da personagem principal ao conectar e entender todo o quebra-cabeças proposto pela produção de Guilhermo Del-Toro.

Personagens estereotipados ocupam lugar importante na obra. Destaque para o visual dos atores, das locações e figurinos os quais, nem de longe, se assemelham aos mal fadados longas hollywoodyanos que tentam não incidir em clichês de outrora e sobre o “acerto de contas” entre Laura e seu passado.

Assista ao trailer de ‘O Orfanato’ clicando aqui.

Com baixo orçamento (4,5 milhões de euros) e uma equipe de novatos em sua maioria, o longa dirigido por Bayona é convicto ao apresentar soluções para antigas fórmulas de situações manjadas, além de prometer virar um clássico no uso pretensioso da câmera.

A assinatura de Del Toro é crucial para que o “todo” ganhe notoriedade. Não que o enredo seja demasiado insuficiente, porém a “economia” nos sustos pode cansar ao público.

Com um final aceitável até mesmo para os que não concebem a existência do “sobrenatural”, vale ser visto por sugerir aos espectadores o caminho a ser seguido em suas interpretações sobre o que lhes é mostrado.

(Obs:) Atente para o ator que interpreta o especialista em paranormalidade. Ele á mais conhecido no Brasil do que se possa supor em uma análise superficial.

Ficha Técnica:
Título no Brasil: O Orfanato
Título Original: The Orphanage
Tempo de Duração: 100 minutos
Direção: Bayona

Elenco:
Belén Rueda;
Roger Príncep;
Fernando Cayo;
Geraldine Chaplin;
Montserrat Carulla;
Mabel Rivera;
Andrés Gertrúdix;
Edgar Vivar.

MARIA ANTONIETA

2008-03-26T13:38:00.000-07:00

Por Poliana Ribeiro

O marketing é um ingrediente poderoso na hora de produzir um sucesso ou um fracasso no cinema. Não que ele por si só determine os filmes que agradarão ao público e os que se transformarão em decepções retumbantes, mas é impossível desconsiderar esse aspecto, bastante relevante, principalmente quando se fala em indústria hollywoodiana. Além de grandes investimentos em publicidade, também é preciso “vender” bem a história do filme, torná-la atrativa para o público.

E as principais estratégias para fazer o espectador “comprar” o filme – mesmo que se arrependa depois – são os trailers e as sinopses. Esses dois elementos condensam a história, pinçando os elementos mais interessantes da trama e despertando a curiosidade do público.

É o que acontece com Maria Antonieta, dirigido por Sophia Coppola e estrelado por Kirsten Dunst. Todo material de divulgação da produção vende a história de uma monarca que revolucionou a França com seu comportamento incomum; uma produção de época com requintes de cultura pop, inclusive com uma trilha sonora bastante inusitada. E, desde os primeiros minutos do filme, é isso que se espera dessa história. Mas não é o que se vê.

Maria Antonieta, herdeira do trono austríaco, é obrigada a se casar com Luís XVI, filho do rei da França, Luís XIV, em um tradicional acordo entre os dois reinos. Seguindo a tradição, ela é obrigada a deixar para trás qualquer resquício de sua pátria para assumir uma identidade francesa. Cercada por empregados e rígidas regras de comportamento, Maria Antonieta precisa se enquadrar nesse frio cotidiano, que inclui ainda a distância do marido, que parece não ter nenhum interesse sexual por ela. Isso aumenta a preocupação de sua mãe, já que o acordo só será confirmado, de fato, com o nascimento de um filho franco-austríaco.

A primeira parte do filme mostra exatamente as tentativas frustradas de Maria Antonieta de conquistar o marido e toda rotina monótona dos monarcas, o que causa uma grande expectativa no público, que aguarda ansioso o momento da “virada de mesa”. Mas ele parece nunca chegar ou acontece de forma tão tímida que fica aquém do que era esperado.

A intenção da diretora Sophia Coppola foi, de certa forma, criticar o comportamento daquela nobreza, que nem ao menos percebia a gradativa tomada do poder pelos burgueses. E era Maria Antonieta, com sua preocupação apenas por futilidades, quem melhor poderia ilustrar isso. Mas, embora tenha tido uma idéia interessante, a diretora não fez as melhores escolhas, e a concepção do filme poderia ter sido melhor.

A “revolução” de costumes causada por essa personagem histórica, na visão de Sophia Coppola, reduz-se tão somente a algumas festas organizadas graças à influência de sua amiga condessa e de um caso extraconjugal – de certa forma justificado pelo distanciamento do marido. E só. No mais, Maria Antonieta é um filme chato, sem grandes viradas, como aquelas propagandas de comida: sempre mais apetitosa que a servida em nossos pratos.

Ficha Técnica:

Título original: Maria Antonieta
Gênero: Drama
Origem: EUA
Ano: 2007
Direção: Sophia Coppola
Duração: 124 min

ELIZABETH - THE GOLDEN AGE

2008-03-14T08:59:00.000-07:00

Por Diogo Azoubel

Apesar do figurino ser apenas um adicional estético em muitas obras épicas, neste filme ele é crucial para que o espectador seja envolvido numa trama de intrigas e mentiras ambientada na Inglaterra de 1585.

Cate Blanchett (Babel) interpreta uma Elizabeth I audaz e decidida. Seu empenho em reviver esta personagem histórica é sensível no momento em que sua atuação deixa a impressão de um elenco inadequado à categoria da concepção e veracidade que exalam de seus poros. A cena do beijo protagonizada ao lado de Clive Owen sob as luzes do fogo ratifica os atributos que garantiram à atriz duas indicações simultâneas, nas categorias Melhor Atriz e Melhor Atriz coadjuvante ("Não Estou Lá"), ao Oscar.

O roteiro do longa não se distancia demasiadamente dos fatos históricos amplamente conhecidos que o embasam, entretanto o trabalho conjunto entre músicos, cenografistas, figurinistas e diretor tornam toda a trama bem mais atraente que nos livros de História.
Trata-se da necessidade de lidar com possíveis e iminentes traições mesmo após três décadas comandando a Inglaterra.

O reinado elisabetano sofre constantes afrontas de Mary Stuart (Samantha Morton - Minority Report), prima de Elizabeth I, além das investidas fundamentalistas de Felipe II (Jordi Mollá – O Pianista), da Espanha, sob a pseudo-vontade divina. Interesses capitais, orgulho e soberba são colocados no manto de um deus incapaz de perdoar àqueles seguidores de outras doutrinas. Elizabeth I, protestante, precisa impedir que a inquisição bata às portas de seu povo, além de uma possível guerra.

Em meio às torrentes sentimentais, a Rainha precisa conter o furacão aprisionado em seu peito. Seus desejos carnais não podem ser vislumbrados por outros além do reflexo em seu espelho e, talvez por isso, a paixão por Walter Raleigh (Clive Owen - Closer) seja levada a conseqüências tão prolixas.

O filme é interessante por mostrar uma rainha vaidosa, mas nunca fútil; uma guerreira impiedosa e amável; uma mulher de desejos e limites e, além de tudo, orgulho e poder.

Assista ao trailer de ‘Elizabeth – The Golden Age’ clicando aqui.

Durante os 114 imperceptíveis e envolventes minutos muitas cenas prometem representar bem o filme onde quer que sejam exibidas. O trailer apresenta, como poucos, os motivos pelos quais precisa ser visto e deixa cativados os que crêem em sua abordagem de um tema anteriormente trabalhado.

Quando a Rainha, em seus vestidos típicos, é mostrada de cima pelas lentes de Shekar Khapur, o mapa no chão parece curvar-se às suas aspirações e, como diz ela, ao seu furacão interior.

As diversas analogias são curiosas e cada vez mais intensas. O jogo de sombras é perfeito para composição de alguns personagens e contribui sensivelmente para que se obtenha um fantástico resultado junto aos planos amplos trabalhados no filme.

Vale ser visto pelo conjunto da obra, pela maturidade do diretor ao conduzir magistralmente este maravilhoso feito e, sobretudo, por elucidar uma Cate capaz de enfrentar quaisquer outros personagens tão desafiadores quanto o que motiva esta superprodução vencedora do Oscar 2008 na categoria Melhor figurino.

Ficha Técnica:

Título no Brasil: Elizabeth – A Idade de Ouro
Título Original: Elizabeth: The Golden Age
Site Oficial: http://www.elizabeththegoldenage.net/
Tempo de Duração: 114minutos
Direção: Shekar Khapur
Elenco:
Cate Blanchett (Rainha Elizabeth I)
Jordi Mollá (Rei Felipe II)
Samantha Morton (Mary Stuart)
Clive Owen (Sir Walter Raleigh)

VESTIDA PARA CASAR

2008-03-06T12:50:00.000-08:00

Por Poliana Ribeiro

Tal qual dois e dois são quatro, a fórmula das comédias românticas é de uma exatidão por vezes tediosa. Poucos são os roteiristas, diretores e produtores que ousam fugir um pouco da tradicional fórmula “mocinha bonita (que não se acha muito atraente) + bonitão que não lhe dá bola + irmã sexy que rouba o príncipe dos sonhos da mocinha + outro bonitão que a mocinha não nota = alguns desencontros e um final feliz”. Acrescente-se a essa fórmula a amiga da mocinha, que está sempre perto para dar apoio e dizer algumas verdades necessárias (sempre com muito senso de humor, é claro!).

A história centra-se, geralmente, na vida de uma moça cheia de virtudes (bonita, inteligente, divertida, engraçada etc), incapaz de enxergar as próprias qualidades, até porque sempre é ofuscada pela irmã gostosona – mas, proporcionalmente vazia – que sempre roubou todas as atenções para si. A protagonista da história é apaixonada por um tipo bonitão – que, em geral, trabalha com ela – que nutre profunda admiração pela garota, mas não mais que isso.

Um belo dia, a jovem esbarra em um cara bem mais interessante que o objeto de sua adoração. Porém, o que seria natural – ela esquecer o que não lhe dá bolas e se jogar nos braços do outro – não acontece. Pelo contrário. De início, os dois manterão um relacionamento similar ao de cão e gato, o que ficará ainda mais forte com os “ocasionais” encontros do relutante casal – uma daquelas coisas do destino ou providência dos roteiristas hollywoodianos com pouca criatividade. Após uma série de desencontros, o improvável casal perceberá o que todos os espectadores já sabiam mesmo antes do início da projeção: eles foram feitos um para o outro.

Poderia se estar falando de inúmeros filmes, mas o motivador deste texto atende pelo título de Vestida para casar. E como o que diferencia uma comédia romântica da outra é a roupagem, neste caso, o fio condutor da história de Jane é o fato de ela simplesmente ser fascinada por casamentos, a tal ponto de ter sido madrinha das cerimônias matrimoniais de 27 amigas. Os vestidos ela guarda como relíquias dos momentos especiais que ajudou a construir, já que sua participação não resume-se a decorar o altar – e ser obrigada a usar vestidos que variam do horrível para o exótico, passando pelo esdrúxulo -, mas ajudar as noivas, independentemente da missão.

E como dito anteriormente, o bonitão por quem Jane é apaixonada atende pelo nome de George e é seu chefe. A irmã estonteante chama-se Tess e não tarda a conquistar George. Para confundir ainda mais a cabeça de Jane, aparece Kevin, que fica intrigado com o comportamento da garota. Para justificar os constantes encontros, o roteirista da história colocou Kevin como jornalista especializado em casamentos, responsável, aliás, pela coluna admirada por Jane (que a essa altura ainda não sabe a verdadeira identidade do rapaz).

Não haveria problema nenhum em contar mais que isso, pois a história é bastante previsível, principalmente para quem está acostumado com o gênero das comédias românticas. Aliás, o problema de Vestida para Casar não é o fato de fazer uso de uma fórmula já batida, mas se exceder em seus clichês e não propor nada novo. Ainda assim, funciona como diversão descompromissada. Nada mais que isso!

Ficha Técnica:

Título original: 27 Dresses

Origem: EUA

Ano: 2008

Gênero: Comédia romântica

Duração: 107 min

Classificação: 10 anos

Direção: Anne Fletcher

Elenco: Katherine Heigl, Edward Burns

JOGOS DO PODER

2008-03-05T18:44:00.000-08:00

Por Diogo Azoubel

Definitivamente espera-se mais de um filme estrelado por Tom Hanks (O Terminal), Julia Roberts (O Sorriso de Monalisa) e Philip Seymour Hoffman (Capote). Não é o que acontece.
Numa narrativa lenta, o diretor se propõe a participar o espectador sobre a Guerra entre Afeganistão e União Soviética. Não consegue.

Trata-se de um filme que não utiliza coerentemente seu brilhante elenco, relegando-os a personagens caricatos, quando não austeros demais.

O enredo, baseado no livro do jornalista George Crile, aborda a trajetória do inexpressivo e mulherengo congressista norte americano Charlie Wilson (Tom Hanks, que também assina a produção do longa), que, após uma visita amigável ao país, se manifesta sensível às barbaridades sofridas pelo povo afegão diante dos soviéticos. Desta forma, arquiteta uma aliança entre os paquistaneses, egípcios e israelenses que têm nos Estados Unidos um suporte financiador da resistência ocorrida no início dos anos 80.

Assista ao trailer de ‘Jogos do Poder’ clicando aqui.

Soma-se a este cenário as interferências eróticas duma das mulheres mais ricas do Texas, Joanne Herring (Julia Roberts), e de Gust Avrakotos – agente da CIA (Philip Seymour Hoffman).

As faixas da trilha sonora não se ajustam às cenas em que são inseridas, os figurinos apresentam problemas de execução e caimento, como quando a socialite vivida por Julia recebe ostensivamente em sua mansão a nata endinheirada do sistema social ao qual pertence com o objetivo de arrecadar fundos em prol dos desfavorecidos.

Mike Nichols dirige os 97 minutos da obra recheada de piadas que passam despercebidas aos olhares do público, mesmo dos mais atentos. Entretanto, é preciso ressaltar que a temática do filme é interessante o suficiente para suscitar interesse nos grandes empresários de Hollywood e motivar superproduções.

A má execução do material empírico somada à frieza de atores consagrados em papéis inverossímeis gera um produto descartável e extremamente perecível.

Apesar de tudo, vale ser visto para constatar como as visões sobre um determinado fato histórico podem ser tornar simplista e sem emoção, comprometendo completamente o interesse daqueles que se sugerem desfrutar do momento cinematográfico proposto.

Ficha Técnica:

Título no Brasil: Jogos do Poder
Título Original: Charlie Wilson's War
Tempo de Duração: 97 minutos
Direção: Mike Nichols
Elenco:
Tom Hanks
Julia Roberts
Amy Adams
Philip Seymour Hoffman

OSCAR 2008

2008-03-05T04:47:00.000-08:00

Por Poliana Ribeiro

A premiação do Oscar este ano passou longe de ser surpreendente. Como esperado, Onde os fracos não têm vez levou a estatueta de Melhor Filme, Melhor Direção (para os irmãos Cohen), Melhor Ator Coadjuvante (para Javier Bardem) e Melhor Roteiro Adaptado. Nem tão esperada foi a vitória de Marion Cotillard, por Piaf - Um hino ao amor -, que, de fato, merecia o prêmio mas não era a grande favorita. Juno, que figurou como uma das surpresas, também levou sua estatueta de Melhor Roteiro Original.

No mais, a premiação ocorreu dentro do previsto nas demais categorias, com uma ou outra exceção - como o fato de apenas estrangeiros terem ganho as premiações para atriz e atriz coadjuvante, ator e ator coadjuvante. Talvez toda essa previsibilidade não tenha me estimulado a escrever nem uma linha sequer sobre o Oscar deste ano, evento que sempre acompanho. O máximo que fiz foi a minha listinha de palpites, que inscrevi em uma Promoção do Yahoo! com a Rede UCI, por pura curiosidade para saber quantas categorias iria acertar. Qual não foi a minha surpresa quando vi o resultado da promoção: fiquei em primeiro lugar! Sabia que tinha acertado os vencedores em quase todas as categorias, mas nunca imaginei ser a ganhadora de uma premiação nacional.

Como nem tudo é perfeito, não poderei usufruir muito do meu prêmio - cinema de graça até o fim do ano -, pois ainda não dispomos em São Luís da Rede UCI. Ainda assim, fiquei muito feliz com o resultado da promoção, pois, de certa forma, ele comprova meu amor pelo cinema.

Abaixo a lista com os dez vencedores e, em seguida, meus palpites:

1º lugar - Poliana Marta Ribeiro de Abreu (São Luís - MA)

2º lugar - Elane Aparecida Matos (Curitiba - PR)

3º lugar - Christina E. Daltro (Aquiraz - CE)

4º lugar - Rafaella Vasconcelos Albuquerque (Fortaleza - CE)

5º lugar - Filippe Vasconcellos de Freitas Guimarães (São Paulo - SP)

6º lugar - Marta Vicente Egrejas (Rio de Janeiro - RJ)

7º lugar - José Henrique Borges Duarte (Rodeio Bonito - RS)

8º lugar - Maiara Camargo (São Paulo - SP)

9º lugar - Viviane Silva Torregrosa (São Paulo - SP)

10º lugar - Igor Cataldi e Cavalcanti (Rio de Janeiro - RJ)

Meus palpites:

MELHOR FILME: Onde os Fracos Não Têm Vez

MELHOR ATRIZ: Cate Blanchett (Elizabeth: A Era do Ouro)

MELHOR ATOR: Daniel Day-Lewis (Sangue Negro)

MELHOR ATOR COADJUVANTE: Javier Bardem (Onde os Fracos Não Têm Vez)

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE: Saoirse Ronan (Desejo e Reparação)

MELHOR DIRETOR: Joel e Ethan Coen (Onde os Fracos Não Têm Vez)

MELHOR FILME ESTRANGEIRO: The Counterfeiters

MELHOR CANÇÃO ORIGINALFalling Slowly (Once)

MELHOR ANIMAÇÃO: Ratatouille

MELHOR DOCUMENTÁRIO: Taxi to the Dark Side

MELHOR TRILHA SONORA: Desejo e Reparação

MELHOR EFEITOS VISUAISA: Bússola de Ouro

O GÂNGSTER

2008-02-20T12:27:00.000-08:00

Por Poliana Ribeiro

O Gângster não é um filme fácil de ser assistido. Primeiro porque já aborda um assunto espinhoso, que é o tráfico de drogas, e segundo porque o próprio estilo de narrativa escolhido pelo diretor Ridley Scott não facilita em nada a vida do espectador. Além disso, ainda é tarefa difícil digerir o ator Denzel Washington, acostumado a tipos heróicos, interpretando o cruel traficante Frank Lucas – embora ele já tenha interpretado o policial corrupto de Dia de Treinamento, que lhe rendeu um Oscar de melhor ator. Mas como talento não falta ao astro, nem o seu grande carisma dificulta o cumprimento da função.

O filme já mostra a que veio nos seus minutos iniciais. Um homem é queimado vivo por Lucas, que finaliza a execução com vários tiros no corpo em chamas. Mas, nesse momento, ele ainda é apenas o motorista e fiel escudeiro do poderoso “Bumpy” Johnson, que comanda o tráfico de drogas no Harlem. E como um cão fiel, após a morte de seu mentor intelectual, Lucas resolve dar continuidade aos projetos escusos de seu patrão. Como um bom aluno, Frank Lucas não só aprendeu bem a lição como ainda aperfeiçoou os negócios de “Bumpy”.

Em um lampejo de maléfico brilhantismo, Frank Lucas pensou com a cabeça de um verdadeiro empresário e resolveu agregar maior qualidade ao seu produto – no caso, a heroína. Para isso, tratou de buscá-la direto da fonte – no caso a Tailândia -, eliminando a figura do atravessador e garantindo maior pureza ao produto e um preço mais atrativo. A lógica comercial de Lucas também incluiu a criação de uma identidade para o seu produto, que passou a ser conhecido como “mágica azul”. Daí para o sucesso foi um pulo.

De fato a história de Frank Lucas é bastante interessante, embora o seu brilhantismo tenha sido canalizado para o mau. E como não existe crime perfeito, nem mesmo a filantropia do traficante – a exemplo de seu patrão, que distribuía cestas básicas ao povo carente dos bairros negros de Nova York -, a parceria com mafiosos italianos ou a preservação de sua imagem – diferente dos tradicionais gângsters, sempre muito chamativos, Lucas primava pela discrição sempre, inclusive no vestuário – foram suficientes para deixá-lo longe dos olhos da justiça.

Apesar da corrupção policial, graças à associação dos “homens da lei” com os traficantes, sempre existe um mocinho na história. Ele atende pelo nome de Richie Roberts – interpretado por Russel Crowe – que, apesar do bom caráter, foge aos clichês dos tipos tradicionais: Richie tem uma vida pessoal conturbada, pois trava uma briga judicial com a ex-mulher, na tentativa de recuperar o afeto do filho. Enquanto para o policial Richie o conceito de família unida parece não existir, para Lucas isso é muito forte. É ao lado de sua numerosa família – a mesma que será responsável, indiretamente, por sua queda - que ele desenvolve suas atividades.

O Gângster é um filme muito bem construído, mas que não agradará a qualquer tipo de espectador, por sua narrativa densa, sem muitos espaços para tramas mais amenas – e olha que são 157 minutos de projeção! As cenas são fortes – principalmente as que envolvem os usuários de drogas – e a narrativa é um retrato do que há de pior no ser humano. Ainda assim, uma pequena mostra de que pode existir muita genialidade até no mais perverso dos mundos.

Ficha Técnica:

Título original: American Gangster
Origem: EUA
Ano: 2007
Gênero: Policial
Duração: 157 min
Classificação: 16 anos
Direção: Ridley Scott
Elenco: Denzel Washington, Russell Crowe

Cloverfield - Parte II

2008-02-20T11:02:00.000-08:00

Por Poliana Ribeiro

Um monstro invade Nova York, destruindo a cidade e causando pânico na população. Poderia ser a sinopse de um filme trash, daqueles de gosto bem duvidoso, ainda mais com o título Cloverfield – O monstro. A salvação deste longa-metragem é que ele apostou na ousadia para contar uma história irreal e já vista pelos espectadores em outras produções, como Godzilla.

A idéia do produto J.J Abrams (o mesmo da série Lost) aqui não era repetir mais uma vez esse roteiro catastrófico e sem grandes novidades, muito menos realizar uma mega-produção com imagens de destruição, às custas de altos investimentos financeiros e muitos efeitos tecnológicas. A proposta de Cloverfiel parece ser mais modesta e centrada mais na forma de contar essa história do que propriamente em seu conteúdo. Ou seja, o que importa é realmente a embalagem e não o que ela guarda.

Os primeiros minutos de projeção explicam – por meio de inscrições na tela que, em um primeiro momento parecem algum problema técnico - que as cenas a seguir pertencem ao caso intitulado Cloverfield e foram registradas por meio de câmeras encontradas na cidade de Nova York. A partir daí começa a exibição das imagens, captadas de forma amadora, inclusive com a identificação da data, mas com um encadeamento lógico.

As primeiras cenas mostram alguns momentos registrados por Rob em sua câmera, ao lado de Beth, a garota pela qual é apaixonado. Em seguida, a câmera já está nas mãos de outro jovem - pouco depois sabemos se tratar de Jason, irmão de Rob -, que, ao lado da namorada Lily, prepara uma festa surpresa para Rob, que está de partida para o Japão.

Como acontece quando se está realizando filmagens amadoras, as cenas se sucedem de forma pouco ordenada. Enquanto um grupo de pessoas organiza a festa de despedida, Hud, amigo dos irmãos Jason e Rob, registra tudo e pede para que as pessoas deixem uma mensagem para o rapaz que está indo embora. Satisfeito com sua função de videomaker, Hud não larga a câmera em nenhum momento, nem mesmo quando um aparente abalo, sucedido por estrondos, atinge o lugar, atiçando a curiosidade dos presentes na festa.

Tudo o que acontece a partir de então é registrado pela câmera cambaleante e atônita de Hud, que testemunha uma explosão e o exato momento em que a cabeça da estátua da liberdade é atirada no meio da rua, sem falar no vulto de uma criatura gigantesca que se aproxima, para desespero de todos. A situação torna-se cada vez mais catastrófica, resultando em fuga em massa e intervenção do exército.

O mais interessante em Cloverfield é que o espectador acompanha a ação ao mesmo tempo em que os personagens da história, já que tudo é mostrado do ponto de vista da câmera que um deles segura, fato curioso, inclusive, dada a gravidade da situação. É impossível não recordar os ataques de 11 de setembro, principalmente nas cenas de desespero dos habitantes da cidade. O filme pode não ser original – quem não se lembra da Bruxa de Blair – mas consegue dar conta do recado e, de quebra, mostrar que, às vezes, a embalagem pode sim melhorar o produto.

CLOVERFIELD

2008-02-19T17:54:00.000-08:00

Por Diogo Azoubel

Nesta obra bastante controversa do diretor Matt Reeves é criado um universo restrito aos amigos que fazem parte da vida de um jovem executivo pronto para mudar-se para o oriente. Nomes e locais não são necessários, haja vista que o filme é complexo e irreverente em si mesmo. Tudo o que o espectador precisa saber é literalmente o que lhe é mostrado, o resto fica a cargo de cada um quando as seqüências são confrontadas com visões de mundo diversificadas.

Os recursos utilizados para finalizar a edição do longa em muito se assemelham aos dos vídeos experimentais produzidos por cinéfilos, geralmente amadores. Entretanto, há uma estética singular no enquadramento das imagens, sobretudo por parecerem improvisadas e desconexas.
Em 85 minutos de filme (uma raridade no cinema mundial) o espectador é conduzido, por meio de imagens tremidas e ruídos confusos montadas por Kevin Stitt, a um universo de pessoas que parecem ter tudo até que percebem a trivialidade de bens sempre tão próximos e banalizados.

Perdas e ganhos abruptos são comuns durante todo o percurso dos personagens vividos por atores desconhecidos, fato que facilita a identificação do público com as situações de convívio social que são mostradas.

Todo o conjunto parece chamar para que seja idealizada uma reflexão sobre a interferência do homem na vida daqueles a sua volta. Como simples atitudes podem despertar conseqüências maiores e irremediáveis.

Vale ser visto pela qualidade de edição que faz crer ter sido feita descompromissadamente e que, ainda assim, convence; pelo talento dos ilustres “desconhecidos”, participantes do longa; pelas imagens de uma Nova York em chamas e ruínas e, principalmente, por não ser óbvio ao mostrar um monstro fantasioso em fúria.

O filme vai além do simples terror científico amplamente difundido por algumas obras, chega por vezes a assustar, mesmo que corriqueiramente, embora exagere bastante nas situações que cria.
Atenção à personagem exótica de olhos grandes que não perde o humor mesmo depois de ter sido brutalmente atacada por seres desconhecidos.

Ficha Técnica:

Título no Brasil: Cloverfield - Monstro
Título Original: Cloverfield
Tempo de Duração: 85 minutos
Roteiro: Drew Goddard
Direção: Matt Reeves
Elenco: Mike Vogel
Greg Grunberg
Lizzy Caplan
Michael Stahl-David
Odet Jasmin

JUNO

2008-02-15T16:43:00.000-08:00

Por Diogo Azoubel

Este é um filme que pode parecer bobo quando colocado ao lado de seus contemporâneos Conduta de Risco e Sangue Negro (todos concorrem ao prêmio Oscar de 2008), entretanto aborda uma questão deveras banalizada de maneira inteligível e inovadora.

A gravidez na adolescência ganha contornos de poesia diante da decisão da jovem Juno MacGuff (Ellen Page) que pretende manter-se grávida e encontrar país para o filho que não planejou. Toda a atmosfera do longa parece óbvia até que pequenas atitudes de seus personagens modificam o contexto que segue por caminhos diferentes daqueles imaginados outrora pelos espectadores.

Uma das melhores seqüências da obra se passa durante um exame de ultra-som que é motivo para desencadear uma calorosa discussão entre a madrasta de Juno e a enfermeira responsável pelo exame. Durante uma das cenas o expectador tem a oportunidade de presenciar como a madrasta – geralmente estigmatizada como má - pode encarnar a mãe mais vigorosa e orgulhosa de sua prole após um comentário maldoso de terceiros.

A jovem Ellen Page encabeça a lista de maravilhosas atuações e garante uma das indicações ao Oscar nesta obra inovadora e distante de clichês americanizados para filmes voltados às necessidades comerciais exclusivamente. Fazem ainda parte do elenco Michael Cera e Jennifer Garner. A direção de Jason Reitman prima por enquadramentos diferenciados e transições marcadas por uma trilha sonora nada comum.

O figurino é um tanto bizarro, sobretudo quando a barriga da personagem principal começa a crescer modificando desta maneira sua aparência de outrora. Entretanto, apresenta inovações na forma como concebe uma jovem descompromissada e de atitude um tanto curiosas.
Vale ser visto pela estética diferenciada, pela trilha sonora (simples e original) e pelas atuações dos atores que demonstram sintonia e sensibilidade ao compor seus personagens.
Fique de olho na personagem Leah (Olivia Thirlby),melhor amiga de Juno, e atente para seus comentários sem sentido que (des)agradam a todos.

Ficha Técnica:

Título no Brasil: Juno
Título Original: Juno
Tempo de Duração: 92 minutos
Produção: Lianne Halfon, John Malkovich, Mason Novick, Russell Smith
Direção: Jason Reitman
Elenco:Ellen Page (Juno MacGuff)
Michael Cera (Paulie Bleeker)
Jennifer Garner (Vanessa Loring)
Olivia Thirlby (Leah)
Allison Janney (Bren MacGuff)

MENINA MÁ.COM

2008-02-11T11:59:00.001-08:00

Por Poliana Ribeiro

Em geral, os planos mais fechados podem ser recursos que, se utilizados excessivamente, transmitem a sensação de que se está desperdiçando todas as possibilidades que a tela gigante do cinema proporciona. Mas tudo depende da intenção do diretor e de como ele utiliza essa ferramenta. No caso do diretor David Slade, a aposta usada em Menina Má.Com mostrou-se bastante acertada.

Longe de causar o efeito “televisão”, os planos mais fechados no filme – além de outros recursos narrativos que serão enumerados mais à frente – contribuem para deixar o espectador mais próximo da protagonista Hailey e tentar desvendar o que se passa na cabeça da adolescente, aparentemente igual a todas as outras.

Aos 14 anos, como qualquer menina da sua idade, Hailey passa parte do seu tempo em frente ao computador, em salas de bate-papo, tornando-se alvo fácil para pedófilos de plantão, interessados em seduzir garotas inocentes. O problema é que Hailey não é uma garota inocente, embora seus olhos e seu jeito frágil tentem transmitir o contrário. Depois de algumas semanas de conversa, Hailey encontra-se com Jeff, um fotógrafo de 30 anos. E utilizando uma metáfora um pouco previsível, a menina vai ao encontro vestindo um casaco vermelho com capuz, que inevitavelmente remete à personagem dos contos infantis, e segue para a toca do lobo mau, no caso o apartamento do mal-intencionado Jeff.

De vítima em potencial, Hailey torna-se a algoz da história, ao colocar uma droga na bebida de Jeff. Depois de um tempo desacordado, o fotógrafo recobra a consciência e percebe que está em uma cadeira, com pés e mãos amarrados. Aos poucos, o pedófilo se dá conta da situação, embora esteja longe de prever o que lhe aguarda nos minutos seguintes.

É interessante observar como as cores exercem papel fundamental nesta narrativa que tem o suspense psicológico como marca registrada. Hailey quase em preto e branco, contrastando com o fundo vermelho do apartamento de Jeff, dá um efeito interessante quando a garota passa a exercer o papel de algoz. Aliás, os planos fechados, citados acima, são emblemáticos. Em alguns momentos, pouco se vê o rosto de Jeff, como se apenas Hailey e suas intenções fossem importantes, enquanto ele não passa de uma personificação do mal que ela pretende combater.

A supremacia da cor vermelha é justificada pelas atitudes de Hailey, que encarna uma espécie de anjo vingador, em defesa de todas as meninas vítimas de pedófilos como Jeff. À medida que demonstra sua força – mais intelectual que física – e sua frieza, a adolescente consegue manter o controle da situação, embora algumas vezes o fotógrafo consiga escapar, sempre voltando, em seguida, a ocupar o papel de “vítima”. O jogo psicológico comandado por Hailey tem seu ápice com uma cena de castração surpreendente.

Não é a primeira vez que o cinema nos apresenta uma personagem adolescente que foge aos clichês de inocência e fragilidade, mas poucas vezes se viu uma tão cheia de interessantes contradições. Menina Má.Com é um filme que não se firma em uma trama complexa, mas em recursos visuais bem utilizados e na interpretação quase teatral de Ellen Page. E, neste caso, não precisou mais que isso mesmo.

Ficha técnica:

Título original: Hard Candy

Gênero: Suspense

Origem: EUA

Duração: 103 min

Ano: 2005

Direção: David Slade

Elenco: Ellen Page, Patrick Wilson

EU SOU A LENDA

2008-02-07T18:07:00.001-08:00

Por Diogo Azoubel

Imagine-se sozinho em casa, ou na sua rua. Que tal no seu bairro? Estressante, não? Agora tente imaginar alguém no centro de uma das mais movimentadas cidades de todo o mundo, Nova York. Comum? Pois acrescente o detalhe: esta pessoa possui a companhia única de um cão da raça Pastor Alemão.

É exatamente sob esses predicados que somos apresentados ao thriller psicológico Eu Sou a Lenda de Francis Lawrence. No longa Will Smith dá vida ao brilhante cientista Robert Neville que passa 75% de seu tempo acompanhado unicamente de Sam, a cadela de estimação de sua filha Marley, enfrentando nas ruas desertas de uma Nova York distante os frutos monstruosos da cobiça humana.

O roteiro trata da busca pela capitalização de curas para males hoje irremediáveis e de suas catastróficas conseqüências. A seqüência inicial introduz o espectador neste universo através de cenas que retratam entrevistas televisionadas sobre a suposta cura para o câncer em humanos. Infelizmente o uso destas substâncias acaba criando um vírus transmitido pelo ar e pelo contato com tecidos orgânicos contaminados que culmina numa legião de seres humanos monstruosos e com características vampirescas (forte sensibilidade aos raios solares, atividade noturna, gosto por sangue fresco, etc.).

Diante desta situação incontrolável resta às autoridades políticas do mundo o isolamento da cidade de Nova York, numa ação que visa conter a proliferação desta revisão do Mal do Século. Assim, cabe a Neville a busca por uma cura que possa salvar a humanidade da completa extinção.

É uma obra de trânsito intenso e afirmações dispersas que, quando somadas, oferecem subsídios para a livre interpretação dos fatos posteriores e anteriores aos que são propostos nos 100 minutos de filme.

A produção usa sutil e perfeitamente efeitos especiais, como na cena em que a ponte da cidade é destruída por aviões “caça” da força aérea norte-americana. Entretanto, usufrui de maneira singular da maquiagem e dos retoques digitais que potencializam o aspecto assustador dos monstros movidos pelo instinto e pela fome.

Os figurinos não apresentam características que chamem demasiada atenção, enquanto a trilha sonora envolve até aqueles que se excedem nas salas de cinema, fazendo-os calar e refletir acerca do que é mostrado.

Vale ser visto pela brilhante atuação de Will Smith, pela discussão ética sobre os limites da ciência e, principalmente, por não lançar mão de clichês tão difundidos em obras desta magnitude.

Ficha Técnica:

Título no Brasil: Eu Sou a Lenda
Título Original: I Am The Legend

Tempo de Duração: 101 minutos
Produção: Akiva Goldsman, David Heyman, Neal H. Moritz, Erwin Stoff, James Lassiter
Direção: Francis Lawrence
Elenco:Will Smith (Robert Neville)

Alice Braga (Anna)

Charlie Tahan (Ethan)

Salli Richardson (Zoe)

Willow Smith (Marley)

CONDUTA DE RISCO

2008-02-06T15:40:00.001-08:00

Por Diogo Azoubel

Neste filme George Clooney ratifica seu talento em uma atuação que dispensa caricaturas nada verossímeis com o mundo cotidiano do público ao qual se dirige. Além de garantir uma indicação ao Oscar 2008 com seu personagem encarregado de limpar a “sujeira” de seus ricos clientes.

Trata-se da busca pela “verdade” em um roteiro que é integrado por uma grande indústria (U/North), seu seleto corpo jurídico e por pessoas que, supostamente, teriam sido prejudicadas pelas pesquisas deste grupo industrial. No campo de batalhas há espaço para a controversa relação entre o mentor do grupo de advogados e a representante da população lesada pelas pesquisas envolvendo a U/North, que subsidia todo o fértil terreno para este emocionante filme e que suscita discussões sobre ética e moral.

Os primeiros quarenta minutos do filme são bastante confusos. Os espectadores mais atentos beiram a monotonia diante de seqüências de cenas que em muito parecem não ter sentido algum. Entretanto, em dado momento o fio condutor da trama se faz visível de maneira sutil, permitindo o entrelaçamento dos fatos lançados e os que ainda serão sugeridos num misto de angústia e indiscrição que envolve a todos.

Tilda Swinton (Karen Crowder) mostra a que veio sendo – e não representando – a personagem ambiciosa e dissimulada que teme a si mesma e que pretende garantir o sucesso de seu trabalho a qualquer custo gerando, desta maneira, uma série de conflitos que envolvem aos outros personagens do longa. Esta atuação arremata a indicação ao Oscar na categoria Atriz Coadjuvante e possuí grandes chances de permitir a estatueta a Swinton.

Os figurinos abusam de uma cartela de cores bastante sóbria e pouco ousada. Austeros e pouco sinuosos, os cortes parecem contribuir para o enriquecimento de personagens tangíveis ao convívio popular, fato que gera identificação concentrada com o público. Porém, por se tratar de fatos e atitudes pouco usuais, o enredo se desenvolve em demasia no universo das idéias e é capaz de despertar sentimentos ocultos (perda, posse, ambição, etc).

A trilha sonora segue uma fórmula de evolução previsível nos momentos de maior tensão, no entanto não perde o caráter sedutor que somente soma aos outros elementos partícipes deste conjunto num resultado que parece ter conquistado fãs além dos críticos “holywodianos”.

Vale ser visto pelo grande elenco que desempenha um trabalho invejável e pelo trabalho primoroso e maduro de Tony Gilroy em sua estréia como diretor.

Ficha Técnica:

Título no Brasil: Conduta de Risco
Título Original: Michael Clayton
Tempo de Duração: 119 minutos
Site Oficial: http://michaelclayton.warnerbros.com
Direção: Tony Gilroy
Elenco:Tom Wilkinson (Arthur Edens)
Michael O'Keefe (Barry Grissom)
Sydney Pollack (Marty Bach)
Tilda Swinton (Karen Crowder)
George Clooney (Michael Clayton)

MEU NOME NÃO É JOHNNY (PARTE II)

2008-02-06T10:12:00.000-08:00

Por Poliana Ribeiro

Um pai omisso, uma mãe ausente e um filho inconseqüente que só pensa em se divertir. Em um primeiro momento poderíamos estar falando da história de Cazuza, retratado no cinema no filme Cazuza, o tempo não pára, de Sandra Werneck Sodré. Mas, na realidade, esse é o enredo – de forma simplificada – de Meu nome não é Johnny. Em comum, as duas produções nacionais têm o fato de contarem histórias de jovens bem nascidos, que nunca tiveram limites e, por isso, sempre encararam a vida como uma grande diversão, regada a bebidas e drogas, e acabaram pagando um alto preço por essa trajetória errante.

João sempre teve tudo do bom e do melhor e os pais para passar a mão em sua cabeça sempre que fizesse algo de errado. Exemplo emblemático é a cena em que o menino estoura uma bombinha dentro de casa. Ao invés de repreendê-lo, o pai pergunta de quem foi o gol e comemora ao lado do filho e de seus amigos. O tempo passa e o agora adolescente descobre o mundo das drogas, primeiro por um quase inocente baseado, depois nas festas que ele mesmo promove, onde a cocaína é presença obrigatória.

É nessas festas que João começa a conhecer muita gente e, ocasionalmente, começa a entrar em contato com fornecedores para distribuir a droga entre seus amigos. Aos poucos, seu nome acaba conhecido entre os “baladeiros toxicômanos”, até que ele acaba tornando-se um traficante internacional.

Como tudo é mostrado pela ótica do próprio João Estrela, sua justificativa para entrar no mundo do crime é a de ser apenas um usuário que passou a comercializar cocaína apenas para conseguir dinheiro para consumir mais droga. Difícil é acreditar nisso quando se vê diante da tela uma montanha inteira do pó branco pronto para ser embalado em papelotes menores e escondidos em um terno, que servirá como esconderijo para o transporte para outros países.

Mas João Estrela parece querer mesmo fazer o espectador acreditar em sua versão para os fatos. Para isso, tenta sensibilizá-los com um emocionado depoimento diante da juíza interpretada por Cássia Kiss, que chega a ter os olhos marejados ao ouvir tão comovente versão. Diante dela, ele renega o apelido Johnny, pelo qual passou a ser conhecido no mundo do crime. É assim que, depois de amargar um tempo em instalações pouco confortáveis na cadeia, João é condenado a passar alguns anos em um sanatório, onde a visão também não é muito reconfortante.

Enquanto a redenção de Cazuza foi pela doença, que acabou levando-o à morte, a de João Estrela foi pelos anos que passou preso, onde pôde tornar-se uma pessoa melhor e afastar-se completamente das drogas. Pelo menos, é o que ele mesmo nos conta.

Meu nome não é Johnny tem sido bastante festejado no cenário cinematográfico brasileiro, mas é bom que fique claro que seus méritos devem-se, majoritariamente, ao talento e desenvoltura de Selton Mello, que lidera um elenco afinado e bastante à vontade com a história, esta sim, bastante irregular. Como filme, Meu nome não é Johnny funciona, principalmente por seus diálogos rápidos, divertidos e inteligentes, mas, como história de vida, está mais para romance ficcional que biografia.

MEU NOME NÃO É JOHNNY

2008-01-29T15:54:00.000-08:00

Por Diogo Azoubel

Um filme empolgante, sobretudo por se tratar de uma produção nacional. Meu Nome Não é Johnny prima pela simplicidade e pela audácia em apostar num humor dispensável para obras que trabalham nos interstícios do mundo das drogas e dos crimes.

Selton Mello parece formar o par perfeito com Cléo Pires em atuações que dispensam clichês típicos em produções hollywoodianas. Júlia Lemmertz é fria na medida certa ao compor o retrato da mãe do personagem que dá vida a este roteiro baseado no livro homônimo de Guilherme Fiúza. Há ainda no elenco as fantásticas participações de Cássia Kiss e de Ângelo Paes Leme que, mesmo em personagens secundários, conseguem despertar atenção nos espectadores.

A obra é alicerçada na história de João Guilherme Estrela, personagem do mundo real de todos os dias. Jovem de classe média que experimenta a primeira “viagem” ainda quando adolescente. Soma-se a este desvio um Câncer de pulmão que atinge seu pai, além do divórcio que separa sua família.

Após o início de sua vida adulta Johnny – como viria a ser conhecido posteriormente por todo o Rio de Janeiro – se transforma num ícone de conduta subversiva e vai além. Chega a se tornar o maior traficante da “cidade maravilhosa” sem nem ao menos pisar numa favela.

Muitos são os personagens que contribuem para que Johnny vire um sucesso dentro dos 128 minutos de filme: a boa idosa que trafica cocaína em potes de biscoito, os companheiros de farra drogados das reuniões nobres do Rio “oitentista”, os transtornados colegas de manicômio, dentre vários e bizarros figurantes que compõem o elenco da trama.

A platéia pode desfrutar de uma trilha sonora eclética que pinta, junto às locações, um quadro de pré-noções do que realmente é o submundo subsidiado pelo poder paralelo no Brasil.

O pecado desta produção estaria associado não à série de pequenos recursos utilizados outrora por produções nacionais e internacionais, mas sim por “criar” e difundir um retrato do bandido admirável, do crime sem culpa e do cinismo escancarado. Tal fato contribui sensivelmente para que se desassocie a criminalidade à falta de recursos capitais que tanto motivam ações controversas da vida do homem moderno e para que se discuta as implicações desta desconstrução do senso comum. Este sim é o grande mérito da direção de Mauro Lima – mesmo que involuntariamente.

Ficha Técnica:

Título Original: Meu Nome Não é Johnny
Tempo de Duração: 128 minutos
Site Oficial: http://www.meunomenaoejohnnyfilme.com.br/
Direção: Mauro Lima
Elenco:
Selton Mello (João Guilherme Estrella)

Cléo Pires (Sofia)

Júlia Lemmertz (Mãe de João)

Rafaela Mandelli (Laura)

Giulio Lo pes (Pai de João)

Cássia Kiss (Juíza)

Ângelo Paes Leme (Julinho)

P.S. EU TE AMO

2008-01-23T18:19:00.000-08:00

Por Diogo Azoubel

Este é um filme que requer certa concentração e dedicação de seus espectadores.

Trata-se de uma história de amor entre dois jovens que, na tela, parecem ter sido feitos um para o outro. Neste contexto as atuações de Hilary Swank (Holly Kennedy) e Gerard Butler (Gerry) ganham veracidade incontestável.

Na obra, Holly é uma jovem e atraente esposa que, por amar demais ao seu marido, acaba se excedendo em cobranças e discussões dispensáveis. Gerry, por sua vez, aproveita cada momento de sua vida para fazer a sua amada mais feliz num relacionamento que mistura inveja e receio daqueles que cercam o casal.

Entre idas e vindas nos lances de escadas que antecedem o apartamento dos dois muitas experiências são trocadas, discussões travadas e momentos apaixonantes revelados ao público já cativado lá pelos quinze minutos do longa.

Há um sábio dito popular que versa sobre a infelicidade existente nos momentos felizes de nossas vidas. Sobre a eterna busca por “aquilo” que nos impossibilita a plenitude dissimulada nos devaneios amorosos da trajetória humana. Este dito é mais ou menos assim: “demais nunca é o bastante” e se encaixa perfeitamente quando colocado sobre o roteiro deste impecável filme, pois desperta em quem o assiste uma agradável sensação de “empoderamento” sobre suas vidas, de satisfação frente às fortunas diversas possuídas contrapondo, desta maneira, qualquer falha das pessoas que compartilham a vida lado a lado.

As atuações de Swank e Butler convencem em simplicidade de gestos e emoções. O elenco conta ainda com as experientes Lisa Kudrow (Friends) e Gina Gershon (What love is) que parecem equilibrar a atmosfera fantasiosa de algumas cenas.

Sobre os figurinos, estes são ousados e habitam o limite entre o extremo bom gosto e a catástrofe, especialmente os de Holly. Swank parece a modelo perfeita para dar asas aos desejos consumistas da protagonista que se realiza através das ofertas tentadoras do site norte-americano Ebay.

Diante de uma grande tragédia a vida de Holly Kennedy se afasta da Gerry e ela parece adquirir nova configuração, fato que desperta (através de várias cartas) as ânsias da busca pelo novo, pelo que ainda não fora vivido para, enfim, cativar ao público completamente.

Ficha Técnica:

Título no Brasil: P.S. Eu Te Amo
Título Original: P.S., I Love You
Tempo de Duração: 123 minutos
Site Oficial: http://psiloveyoumovie.warnerbros.com
Direção: Richard LaGravenese
Elenco:
Hilary Swank (Holly Kennedy)
Gerard Butler (Gerry Kennedy)
Lisa Kudrow (Denise Hennessey)
Gina Gershon (Sharon McCarthy)J
ames Marsters (John McCarthy)
Kathy Bates (Patricia).

O CAÇADOR DE PIPAS

2008-01-23T11:33:00.000-08:00

Por Poliana Ribeiro

“Uma pessoa que não sabe se defender não defenderá nada”. Em uma determinada passagem do filme O Caçador de Pipas – adaptação do livro homônimo de Khaled Hosseini – o pai de Amir, protagonista da história, antevê o que seu filho, então apenas um garoto, poderá se tornar no futuro: um homem covarde. O menino precisa contar com a fidelidade quase canina de seu único amigo, Hassan, para driblar os problemas que se impõem em seu caminho.

A frase do pai de Amir é ainda mais emblemática porque a história de O Caçador de Pipas se passa no Afeganistão, país conhecido por seus intensos conflitos religiosos, onde os homens – somente eles, porque às mulheres são vedados quase todos os direitos – são quase intimados a defender os ideais pregados no Al Corão, o livro sagrado. Contraditoriamente, o pai do menino não tem grandes vocações religiosas, e isso só pode acontecer porque o Afeganistão da infância de Amir é anterior ao regime Talibã.

O país retratado na primeira parte do longa-metragem, dirigido por Marc Foster, ainda é um local distante do terror dos dias atuais, e o que ilustra bem essa relativa liberdade são as pipas que enfeitam os céus de Cabul. Esse, aliás, é o passatempo predileto de Amir e Hassan, amigos inseparáveis. Mas um olhar mais apurado sobre essa amizade pode revelar um pouco sobre a natureza humana.

Hassan é filho de um empregado do pai de Amir, o que justifica a aproximação entre os dois, reforçada ainda mais pelo isolamento de Amir, que prefere criar histórias a se socializar com outros garotos. De origem Hazara – povo nômade, considerado inferior no Afeganistão, naquela época -, Hassan é alvo da perseguição dos outros meninos, que também não perdoam o abastado Amir. Ao mesmo tempo em que essa exclusão os une, também será responsável pelo afastamento dos dois garotos. Enquanto a amizade de Hassan por Amir é inabalável, a recíproca só é verdadeira até o ponto em que não é exigido de Amir um ato corajoso em nome do amigo.

Após um concurso de pipas, em que Amir sagra-se campeão, Hassan sai à caça da última pipa cortada pelo amigo, como sempre faz. É nesse momento que ele é ferozmente atacado por três garotos mal-intencionados, sob o olhar passivo de Amir, que não tem coragem de tomar nenhuma atitude. É diante de sua própria covardia que a amizade dos meninos mostra sua fragilidade.

Como que para fugir da lembrança de sua vergonhosa atitude, Amir começa a rejeitar Hassan, chegando a incriminá-lo, injustamente, por ter roubado um relógio, o que leva o pai de Hassan a ir embora com o menino. O fato coincide com a invasão de Cabul por tropas russas, resultando na fuga de Amir e seu pai para os Estados Unidos.

Anos se passam, Amir já é um homem e trabalha ao lado do pai em uma feira, mas continua escrevendo suas histórias e sonhando em publicá-las. É nesse momento que a também afegã Soraya cruza seu caminho, sempre vigiada de perto pelo pai. A vida de Amir transcorre longe da realidade violenta de seu país natal, até o dia em que ele é chamado a consertar fatos do seu passado.

Já casado e sem ter mais o pai ao seu lado, Amir volta a Cabul, que nem de longe lembra o lugar onde vivia. As pipas foram proibidas e a única coisa que domina os céus da cidade são os tiros. O domínio Talibã impõe suas rígidas regras e não aceita questionamentos. É contra esse poderoso inimigo que o covarde Amir terá que lutar para corrigir sua omissão. Falar mais do que isso é revelar um pouco a emoção do filme.

Não é preciso ter lido o livro para perceber que O Caçador de Pipas fica aquém de sua versão literária – o que, em geral, acontece com as adaptações. Parece faltar algo para que o filme motive emoções mais genuínas. Ainda assim, muitos dos que já assistiram à produção foram levados às lágrimas, talvez mais porque já tivessem lido o livro ou porque viram um outro lado da realidade afegã diferente da retratada nos, geralmente, distanciados noticiários de TV, do que propriamente por méritos do filme. O que não quer dizer que O Caçador de Pipas não tenha seu brilho próprio – embora menos intenso do que o esperado – e sua vocação para trilhar um caminho de sucesso no cinema.

Ficha Técnica:

Título original: The Kite Runner
Gênero: Drama
Origem: EUA
Tempo: 122 min.
Classificação: 14 anos
Direção: Marc Foster

O DIÁRIO DE UMA BABÁ

2008-01-17T12:57:00.000-08:00

Por Poliana Ribeiro

Sabe aqueles dias em que parece que todo mundo resolveu ir ao cinema, deixando as melhores sessões com lotação esgotada, e tudo o que resta é assistir a um filme sobre o qual você nunca ouviu falar? Sem falar que, por causa do horário, você é obrigado a sentar nas poltronas da frente – aquelas que te deixam com dor no pescoço – e ainda por cima descobre que o filme é dublado? Não dá para esperar um grande filme nessas condições, porém, às vezes surpresas acontecem.

O diário de uma babá não é exatamente uma obra prima da cinematografia mundial. Ele não mudará a sua vida, não transformará seus valores, nem fará você refletir sobre a existência humana. Mas pode ser uma diversão despretensiosa entre amigos – uma função que o cinema também possui, mas que muitas pessoas esquecem -, daquelas que te fazem sair da sessão com um sorriso no canto da boca.

De forma resumida, pode-se dizer que o filme conta a história de uma jovem recém-formada que ainda não sabe o que quer da vida e se vê diante de uma oportunidade antes inimaginável: tornar-se babá. Tudo é feito longe dos olhos da mãe zelosa, que sonha com um futuro brilhante para a filha, e, a esta altura, acredita que ela está trabalhando em um banco. Não dá pra deixar de citar que a criança que será cuidada pela babá é um pestinha, que aos poucos se afeiçoa a ela, e esta acaba modificando a vida da família.

Em matéria de roteiro, O diário de uma babá assemelha-se mais àqueles filmes que se assiste na Sessão da Tarde quando não se tem nada para fazer. A história não traz nenhuma grande novidade, mas a forma como é contada tem lá suas doses de criatividade. Como a personagem principal e narradora da história, Anne – interpretada de forma simpática por Scarlet Johansson -, é uma antropóloga, todo o enredo do longa-metragem é trabalhado levando em consideração esse aspecto.

O filme começa com uma espécie de passeio no Museu de História Natural, onde são vistos exemplos de civilizações humanas, dos mais primórdios tempos até os dias de hoje, ao mesmo tempo em que Anne faz uma espécie de reflexão sobre o comportamento humano, até chegar à sua própria história.

Assustada por não conseguir responder, em uma entrevista de emprego, à simples – e complexa – pergunta “quem é você?”, Anne vaga por um parque de Manhattan, quando casualmente encontra uma elegante mulher que lhe oferece um emprego como babá de seu filho. Aliás, não apenas ela, mas todas as mulheres elegantes do parque lhe atiram cartões de visita, de olho na vaga.

Interpretando tal acontecimento como um sinal do destino, Anne resolve aceitar o emprego, sem que sua mãe saiba. E assim como acontecem com os estudos antropológicos, em que pesquisadores e objetos de estudo devem manter um certo distanciamento, a forma como Anne conta a história leva isso em consideração, por isso, ela passa a ser chamada simplesmente de “Babá”, seus patrões são o senhor e a senhora “X”, e o rapaz por quem ela acaba se apaixonado é apenas o “Gatão de Havard”.

A narrativa é leve e divertida, mas não escapa das armadilhas do gênero, como os estereótipos: a mãe fútil e rica que quase não presta atenção em seu pequeno filho; por sinal, este é, aparentemente, mimado, mas não passa de uma criança carente. Mas até esses exageros dão um certo charme à trama. E para coroar tudo isso, só faltava mesmo fazer uma referência à babá mais famosa do cinema, Mary Poppins, com uma espécie de releitura da cena em que ela voa em seu guarda-chuva – sem o mesmo encanto da primeira, claro.

E tal qual um estudo antropológico, Anne conclui após sua jornada que, no choque entre duas culturas, uma sempre acaba modificando a outra. O mesmo pode-se dizer de um filme: sempre se pode tirar algo de bom dele, mesmo que sejam apenas alguns momentos de descontração.

Ficha Técnica:

Título Original: The Nannies Diaries
Direção: Shari Springer Berman e Robert Pulcini
Elenco: Scarlett Johansson, Laura Linney, Paul Giamatti, Chris Evans, Alicia Keys e Donna Murphy
Origem: EUA
Ano: 2008

Duração: 106 min

CARLOTA JOAQUINA, PRINCESA DO BRASIL

2008-01-08T17:53:00.000-08:00

Por Diogo Azoubel

Neste filme de Carla Camurati – o primeiro de sua carreira enquanto diretora de cinema – presenciamos as peripécias de Carlota Joaquina (Marieta Severo) em sua trajetória caricaturada pela sétima arte.

No filme Carlota é uma mulher impetuosa, ninfomaníaca, dissimulada e feia, numa retratação que ultrapassa os limites do verossímil, ou ao menos os eleva.
Na busca pelo poder ela subjuga seu marido D. João VI (Marco Nanini) em prol de seu filho D. Miguel.

As idas e vindas nos fatos históricos são marcadas por transições de cena bastante originais (presentes também nas obras posteriores da Diretora, a exemplo de Irma Vap) e contribuem para o desenrolar inteligível da narrativa que não almeja ser um fiel retrato da História.
É interessante notar que a trilha sonora não é das melhores e que não combina com os figurinos ricos em detalhes e cores.

Os atores, de maneira geral, superam as expectativas daqueles acostumados com seus respectivos trabalhos na TV brasileira. Entretanto, o destaque fica para Ludmila Dayer (Carlota Joaquina jovem) que em sua estréia alicerça elogios com atuação magistral.
A construção dos personagens pelos atores e produção é séria, apesar das piadas sutis e incomuns, fato que desperta críticas negativas ao filme por parte daqueles, muitas vezes, “entregacionistas” aos padrões internacionais.

Este é o filme que marca a retomada da produção nacional e vale ser visto não só pelos atores e figurinos, mas por suscitar as discussões sobre comportamento, ética e moral, além (é claro!) de ser permeado por cenas que garantem a diversão de toda a família.

Ficha Técnica:

Título Original: Carlota Joaquina, Princesa do Brasil

Gênero: Comédia Tempo de Duração: 100 minutos
Ano de Lançamento (Brasil): 1994
Direção: Carla Camurati
Roteiro: Carla Camurati e Melanie Dimantas
Música: André Abujamra e Armando Souza
Fotografia: Breno Silveira
Figurino: Tadeu Burgos, Marcelo Pires e Emília Duncan
Elenco: Marco Nanini (D. João VI)
Marieta Severo (Carlota Joaquina)
Ludmila Dayer (Yolanda / Jovem Carlota Joaquina)
Antônio Abujamra (Conde de Mata-Porcos)
Beth Goulart (Princesa Maria Teresa)
Vera Holtz (Maria Luísa de Parma)
Aldo Leite (Lobato)Marcos Palmeira (D. Pedro I)

ENCANTADA

2008-01-08T10:48:00.000-08:00

Por Poliana Ribeiro

Se tem uma coisa que a Disney soube fazer desde sempre foi desenhos animados sobre contos de fadas. As histórias de Branca de Neve e Os Setes Anões, Cinderela, Bela Adormecida, A Bela e a Fera e todos os tipos de princesas foram muito bem contadas nos filmes dos estúdios, sempre cheios de beleza e romantismo. O problema é que o tempo passou, as crianças que se encantaram com essas animações cresceram e as de hoje já não se satisfazem mais com esses modelos.

As animações tornaram-se mais sofisticadas, com mais recursos tecnológicos à disposição, e os roteiros deixaram de ser tão pueris, ganhando nuances mais complexas, o que chegou, inclusive, a atrair um público mais adulto. Restou à Disney se associar a outros estúdios, como a Pixar, e apostar nessa nova tendência. Mas não completamente.

Pelo menos em seu novo filme, Encantada, a Disney retoma um pouco as duas grandes marcas que a transformaram em sucesso: as histórias de princesas e as comédias leves.
O início do filme é praticamente um revival dos áureos tempos das animações sobre contos de fadas: a bela princesa cantarolando, ao lado de vários bichinhos, à espera do seu príncipe encantado. Eis que ele surge para lhe salvar, os dois se apaixonam e resolvem se casar, mas existe uma bruxa má no meio do caminho.

Entre todos os clichês, doses de sarcasmo dão mais vivacidade à história. É estranho pensar que a própria Disney está criticando a fórmula que tanto lhe rendeu cifras milionárias, mas é o que acontece, pelo menos, aparentemente. Tanta perfeição parece meio boba e simples demais. A solução é mostrar que a vida perfeita de princesa é uma ilusão. E o que melhor para provar isso do que um choque de realidade? E que lugar mais real – no estrito sentido da palavra – do que a movimentada Nova York?

É exatamente lá que a princesa Giselle vai parar, graças à bruxa má que quer separá-la do príncipe e evitar o esperado “...e eles viveram felizes para sempre”. Agora em carne e osso, Giselle sai de um bueiro, trajando o seu imenso vestido de noiva, e assustada com o fato de a cidade não lembrar em nada o reino de Andalázia. Por ser um lugar onde pode-se ver de tudo, os moradores de Nova York não estranham muito uma mulher com atitudes tão estranhas.

O único que não lhe trata com indiferença é o advogado Robert, até porque ele a encontra em cima de um outdoor que lembra um castelo, embaixo de uma chuva torrencial, o que acaba atraindo a atenção de sua pequena filha. A partir desse encontro, a visão realista de Robert se chocará com a visão romântica de Giselle, que tenta mostrar ser, de fato uma, personagem dos contos de fadas. Dá pra imaginar o que acontece daí por diante: os dois vivem momentos improváveis, enquanto Giselle procura o seu príncipe encantado.

Com Encantada, a Disney mexe um pouco nos próprios clichês que ajudou a construir, mas, embora siga por caminhos diferentes, continua apostando no tradicional final feliz.

Nome: Encantada
Origem: EUA
Ano: 2007
Gênero: Comédia – Infantil
Duração: 107 min
Direção: Kevin Lima
Elenco: Amy Adams, James Marsden,

Patrick Dempsey, Susan Sarandon

A BÚSSOLA DE OURO

2008-01-04T18:55:00.000-08:00

Por Diogo Azoubel

A fórmula deste filme parece já ter sido trabalhada por seus antecessores “O Senhor dos Anéis (A Sociedade do Anel; As Duas Torres e O Retorno do Rei) e As Crônicas de Nãrnia (O Leão, o Guarda-roupas e a Feiticeira), entretanto há nesta obra um diferencial: a abordagem política de um tema genericamente infantil e fantasioso que a envolve em suas singularidades.

É interessante perceber o quanto, na trama, temos momentos em que a arte estaria compartilhando de situações sinônimas com o mundo real. Muitas das sequências vislumbradas na tela caberiam em nosso cotidiano com um simples adaptar dos nomes daqueles que a compõem.

O filme mostra a trajetória de Lyra Belacqua, interpretada pela estreante Dakota Blue Richards, em busca de explicações para fenômenos metafísicos que circulam sua própria origem genealógica.

Em meio a viagens espetaculares nos mais híbridos sistemas de locomoção, Lyra se vê, muitas vezes, obrigada a demonstrar força e audácia que não se colocariam sobre atitudes de qualquer criança. Aliás, é justamente entre elas (as crianças) que existe o maior elo de companheirismo e sinceridade constantes.

Neste filme espetacular, dirigido por Chris Weitz e baseado no primeiro volume da célebre trilogia de Philip Pullman, nos deparamos com momentos ímpares do cinema mundial onde a fantasia ultrapassa os limites da lógica contemporânea, onde animais se dispõem como almas de seres humanos (daemons) movidos muitas vezes pela ganância e que, ironicamente, refletem em suas formas as regras de suas condutas.

As atuações de Daniel Craig e Eva Green são, por vezes, pueris em suas profundidades, fato que culmina na sensível identificação das crianças que assistem ao filme com seus personagens. Dakota Richards demonstra, apesar da técnica imatura, domínio e firmeza diante das lentes ambiciosas que parecem captar até o mais sutil suspiro. Porém, a veterana Nicole Kidman não convence, deixando a desejar em muitos aspectos, sobretudo na deficiência de atitudes frívolas que são exigidas por sua personagem.

Os figurinos, magistralmente executados, são mistos dos modelos clássicos somados aos lampejos futurísticos de Ruth Myers. Já a trilha sonora poderia ser mais agressiva, especialmente nos combates que são travados ao longo da obra.

Vale ser visto pela maneira com que trabalha um tema tão polêmico como a política e também suas diferenças: inteligível até para os mais distantes deste nosso utópico universo.

Título: A Bússola de Ouro
Origem: EUA
Ano: 2007

Gênero: Aventura/Fantasia
Diretção: Chris Weitz
Elenco: Nicole Kidman, Daniel Craig,

Dakota Blue Richards

Duração: 114 min

A PESSOA É PARA O QUE NASCE

2008-01-04T16:17:00.000-08:00

Por Poliana Ribeiro

É uma pena que o público ainda não tenha se rendido completamente aos documentários. Não apenas o público, mas, principalmente, os donos de salas de cinema, que ainda têm pouco – ou nenhum – interesse no gênero, que é um dos mais fascinantes dentro da sétima arte. Sem tirar os méritos da ficção, um documentário bem feito possui o mesmo poder de cativar o espectador que se deixa envolver por histórias reais, contadas por meio de um viés quase jornalístico.

Mas engana-se quem pensa que os documentários não podem ser tão ou mais romanceados que uma obra ficcionada. Que o diga, por exemplo, A pessoa é para o que nasce¸ filme dirigido por Roberto Berliner, que narra a vida de três irmãs cegas de Campina Grande, que sobrevivem cantando na rua, em troca de esmolas. A vida de Poroca, Maria e Indaiá é, de fato, um romance, com momentos tristes e felizes.

A idéia surgiu a partir de um programa chamado Som de Rua, produzido pela produtora carioca TV Zero, em que o cineasta Roberto Berliner mostrava talentos musicais que apresentam sua arte nas ruas de várias cidades brasileiras. Foi assim que ele encontrou as três irmãs cegas de nascença e simplesmente se encantou pela história de vida delas. Com uma ingenuidade quase infantil, as irmãs cegas contam aspectos de suas vidas e desnudam-se diante da câmera sensível do diretor.

O mais interessante deste documentário, além da comovente história que conta – que por si só já seria um grande atrativo – é o seu modus operandi. O próprio filme torna-se um personagem importante na trajetória de Poroca, Maria e Indaiá. A câmera não é apenas um observador distante, ela interage com as protagonistas. As mudanças na vida das três irmãs são mostradas por meio de várias passagens de ano. Desde a modesta vida até o contato com artistas como Gilberto Gil, tudo está no filme, que sempre retorna para saber como estão as mulheres.

Tanta proximidade chega a confundir uma das irmãs, que se declara apaixonada pelo Roberto – como elas chamam o diretor -, que se sente obrigado a conversar com elas e tentar esclarecer os papéis de cada um, neste ponto bastante misturados. Essa decisão do diretor Roberto Berliner foi arriscada, mas muito honesta, diferente da maioria dos filmes do gênero, que ainda adotam a postura de tentar se esquivar da ligação que inevitavelmente mantêm com os objetos que se propõem a retratar.

Além desse aspecto, o carisma de Poroca, Maria e Indaiá também desperta interesse ao filme. Com a mesma desenvoltura com que cantam suas músicas, perpetuadas pela tradição popular, as irmãs falam de suas experiências de vida, de seus amores, de suas perdas, sempre com tanta verdade que é impossível não se envolver com essas histórias. É a mesma humanidade que, por vezes, falta no próprio cinema, muitas vezes preocupado demais com a forma e quase nada com o conteúdo.

Direção: Roberto Berliner

Co-direção e Montagem: Leonardo Domingues

Fotografia: Jacques Cheuiche, ABC

Roteiro: Maurício Lissovsky

Com: Regina Barbosa, Maria das Neves Barbosa, Franciscada Conceicão Barbosa

BEE MOVIE

2008-01-03T18:55:00.000-08:00

Por Diogo Azoubel

A animação produzida por Jerry Seinfeld traz uma série de piadas inteligentes que agradam mesmo sem querer.

Trata-se da estória de uma abelha que se recusa a trabalhar por toda existência em um único emprego sem que antes possa conhecer a vida e o mundo fora da colméia. Barry B. Benson é um jovem que, diante da escolha de seu primeiro (e único) emprego, após a faculdade, se vê em uma crise existencial: seguir ou não uma rotina?

O humor sutil do filme aparece desde seu título – trocadilho da língua inglesa – e permanece firme durante os 91 minutos que seguem. As situações inimagináveis para os mais rigorosos adquirem formas e sons quando Benson se apaixona pela florista nova-iorquina Vanessa Bloome decide processar os humanos pelo uso indevido do mel natural – bem maior da população de abelhas que dedicam suas vidas à produção dos mesmos.

O enredo da obra é permeado de momentos que promovem verdadeiras reviravoltas na estória de Barry e que, sensivelmente, apelam aos pensamentos mais fantasiosos dos espectadores.
Com uma trilha sonora bastante sugestiva e alegre somada às vozes de Jerry Seinfeld - Barry B. Benson, Renée Zellweger - Vanessa Bloome e Chris Rock - Mooseblood a diversão é garantida a toda família que, mesmo diante do declínio da narrativa em dado momento do processo judicial entre Benson e os humanos, poderá usufruir de boas risadas.

Vale ser visto pela perfeição das formas com que são criados os personagens, além dos cenários maravilhosos até mesmo para os fãs do mundo “absolutamente” real.

Ficha Técnica:

Título: Bee Movie - A História de uma Abelha

Origem: EUA

Gênero: Animação

Duração: 91 minutos

Ano: 2007

Direção: Steve Hickner / Simon J. Smith

PIAF - UM HINO DE AMOR (PARTE II)

2007-12-08T06:59:00.000-08:00

Por Poliana Ribeiro

O olhar foi o grande trunfo da atriz Marion Cotillard na hora de conceber a sua Edith Piaf. A maquiagem que a transformou em uma pessoa desprovida de atributos físicos, o extremo oposto do que ela realmente é – uma mulher belíssima, basta conferir os vídeos disponíveis no Youtube.com -, são importantes na confecção da personagem, assim como a postura encurvada, mas nada se compara aos seus olhos. São eles os responsáveis pelo maior mérito da atuação de Marion Cotillard em Piaf – Um hino ao amor.

O olhar de espanto diante do público, na primeira apresentação para uma platéia numerosa, dá lugar ao olhar soberbo e altivo quando ela já é uma consagrada cantora que atrai multidões com sua bela voz. É também com os olhos que a Edith Piaf de Marion Cotillard demonstra todo o amor que sente pelo pugilista Marcel, a grande paixão de sua vida, que nunca foi totalmente sua porque era casado. São os mesmos olhos desesperados que correm pelos cômodos da casa à procura de Marcel, quando este já não está mais ali.

É com um olhar sofrido e temeroso que Piaf percebe pela última vez o mundo, depois de uma trajetória sempre marcada por problemas de saúde, tal qual uma criança assustada diante do inevitável. Antes que eles se fechem, ela repassa em sua memória a vida que levou, cheia de perdas – como quando ainda era criança e foi deixada pelo pai aos cuidados da avó, dona de um bordel, e, tempos depois, teve que se afastar de Titine, uma das moças da casa que mais se apegou a ela; ou ainda quando teve que aceitar a perda de seu grande incentivador no meio musical, o “Papai Leplée”, como ela carinhosamente o chamava.

Piaf – Um hino ao amor é um filme que faz jus à vida e obra da cantora francesa, não apenas por sua trilha sonora impecável, sua fotografia bem cuidada, sua produção caprichada e seu elenco primoroso – com destaque para as atrizes mirins Manon Chevallier e Pauline Burlet, que interpretam Piaf na infância e pré-adolescência, e para a participação especial de Gérard Depardieu-, mas porque trabalha com sutilezas percebidas apenas pelos olhares mais meticulosos, os mesmos que serão levados às lágrimas instantes depois.

Ficha Técnica:

Título: Piaf - Um hino ao amor

Direção: Olivier Dahan
Elenco: Marion Cotillard, Jean-Pierre Martins, Manon Chevallier, Pauline Burlet, Gérard Depardieu

Origem: França, República Tcheca e Inglaterra
Ano: 2007

Duração: 140 minutos

PIAF - UM HINO DE AMOR

2007-12-08T06:36:00.000-08:00

Por Diogo Azoubel

“- Um conselho para uma mulher?
- Ame.
- Para uma jovem?
- Ame.
- Para uma criança?
- Ame.”

É na simplicidade, similar a deste diálogo, que reside toda a poesia do feito cinematográfico de Olivier Dahan. Obra que retrata a vida da maior cantora francesa do último século, Edith Piaf – A voz de Paris.

Este filme deve ser lido sem muitas pretensões, sem muitos anseios. Deve ser absorvido em cada singularidade e resignificado a cada suspiro de Marion Cotillard (Edith Piaf), atriz francesa que revive perfeitamente a personagem homônima deste marco dentre as edições biográficas e que, certamente, garantirá algumas indicações ao Oscar.

A alusão ao uso de recursos tecnológicos demasiadamente ostensivos é quase nula. Os figurinos conduzem o espectador a uma época marcada por intensas trocas simbólicas entre nações separadas pelo Atlântico. Enquanto a trilha sonora, que conta com registros originais da voz da artista colhidos durante sua carreira e remasterizados digitalmente, é o elo perfeito entre as cenas que são marcadas por quebras temporais e que, ainda assim, traçam um caminho propício ao entendimento daqueles que se dispõem a desfrutar deste fruto de forte apelo subjetivo.
Durante os 140 minutos de filme, é construída uma linha sinuosa que circula a existência de Edith Giovanna Gassion: desde seu nascimento em Paris, 19 de dezembro de 1915; passando por sua infância vivida em partes num bordel, onde encontra o amor de Titine (Emmanuelle Seigner), talvez como uma forma do destino compensar a ausência do amor de seus pais biológicos e ratificar seu caráter perante as peripécias do mundo; seguindo por sua juventude desregrada; culminando em sua fama e decadência até finalizar-se com sua morte no ano de 1963.

Este longa-metragem é mais que puro entretenimento. Pontua em seu interior questões antagônicas em si mesmas, como a necessidade de Titine se fazer presente nas missas dominicais, seu apego à religiosidade; a casualidade da interação entre Edith e sua quase desconhecida filha Marcelle, que morreu de meningite aos dois anos de idade; o amor impossivelmente pleno entre a cantora e o pugilista Marcel Cerdan (Jean-Pierre Martins) que não concebe a possibilidade de abandonar sua esposa e filhos. Aliás, este último ponto é o centro de uma das três seqüências que perfeitamente poderiam resumir o filme: a abertura tensa da narrativa que, categoricamente, introduz a platéia ao universo de Piaf; o momento em que se perde o fôlego e a fala ante um amor tão intenso. Este dividido em duas partes: o combate de Marcel pelo título de campeão mundial de boxe, além do desconforto no qual vemos Edith ao descobrir que seu amado já não mais estará ao seu lado (uma das melhores cenas do cinema contemporâneo, sem dúvidas), emoldurada por La vie en rose (1945); e, por fim, os minutos restantes da obra que parecem contemplar toda a trajetória de "La Môme Piaf", marcada pelos arranjos de Non, je ne regrette rien (1960).

Vale ser assistido não somente pela perfeição das músicas ou atuações de Marion Cotillard e Gérard Depardieu (Louis Leplée). Vale por reconstruir de maneira mágica os passos deste ícone moderno que, com sua leveza e tom inconfundíveis, cantava e encantava multidões usando os mais simples vestidos pretos e o triunfal batom vermelho. Ótimo programa para os dias ou as noites do verão ou do inverno, esteja o espectador em uma sala de cinema ou no aconchego de seu lar, sozinho ou muito bem acompanhado!

O PASSADO

2007-11-24T09:38:00.000-08:00

Por Poliana Ribeiro

Será que se pode fugir do passado? Ou ele sempre encontra um jeito de voltar? É certo que ele nunca deixa de existir, mas até que ponto pode modificar acontecimentos presentes – ou futuros? Em um relacionamento amoroso, por exemplo, por vezes antigas histórias podem se transformar em um fardo bastante pesado para ser carregado por um casal que está iniciando um novo enlace.

No filme O Passado, os doze anos de convivência entre Rimini (Gael Garcia Bernal) e Sofia (Analía Couceyro) parecem, de início, apenas a certeza de que um sempre será importante na vida do outro, já que a separação foi tranqüila e eles se conheceram quando ainda eram crianças. É assim até o momento em que um começa a trilhar seu próprio caminho e desenvolve um novo interesse romântico. Quando o outro percebe que já não é mais tão essencial, o que estava por trás da aparente harmonia começa a se revelar: a sensação de que se foi deixado para trás.

Sofia parece aceitar bem a separação de Rimini, até o momento em que percebe que suas ligações não são atendidas, que sua presença é evitada e que precisa carregar sozinha o peso de tantas lembranças, simbolizadas em um amontoado de fotos que o ex não se preocupa em dividir. A figura do terceiro elemento – no caso, a ciumenta e paranóica Vera – revela o amor ainda latente de Sofia por Rimini, que torna-se cada vez mais obsessivo. Esse sentimento de posse é agravado na medida em que Vera tenta excluir qualquer resquício da presença de Sofia na vida do tradutor.

Um terceiro elemento amoroso invade a vida de Rimini, mais à frente, para deixá-lo ainda mais confuso: Carmem, uma ex-colega de faculdade, com quem o jovem tradutor irá trabalhar durante um certo tempo. É no momento em que Carmem aparece que Rimini começa a perder sua capacidade de traduzir do francês e inglês para o espanhol. O que antes era tarefa fácil para o tradutor – estimulada ainda mais pelo uso da cocaína – torna-se cada vez mais uma missão difícil de ser executada, afastando Rimini do seu ofício.

A discussão da memória e do passado é inteligente e interessante, mas não foi tão bem conduzida quanto se esperava neste longa-metragem dirigido por Hector Babenco e adaptado da obra de Alan Pauls. A co-produção entre Brasil e Argentina exagera pelos excessos de cenas de sexo – algumas delas desnecessárias – e de palavras de baixo calão. Nada contra uma boa dose de erotismo, mas as cenas mais picantes não precisam ser gratuitas, como em algumas passagens de O Passado, mas de acordo com o contexto.

O roteiro também parece se perder com tantas reviravoltas. Em alguns momentos, é difícil acreditar que o passado tenha o caráter tão forte de inevitabilidade que o filme tenta lhe atribuir. Sofia personifica uma página que não quer ser virada, e atribui uma força ao passado que não parece tão verossímil. Ainda assim, esse caráter controverso em O Passado faz o filme valer a pena e até minimiza algumas de suas falhas. Vale ainda para conferir a última aparição no cinema do ator Paulo Autran, que, ironicamente, integra agora o passado da dramaturgia brasileira.

Ficha Técnica:
Título Original: El Pasado
Direção: Hector Babenco
Elenco: Gael Garcia Bernal, Analía Couceyro, Paulo Autran
Origem: Brasil e Argentina
Ano: 2007
Duração: 115 minutos

DESBRAVADORES

2007-11-19T08:53:00.000-08:00

Por Diogo Azoubel

Figurinos que se assemelham aos aparatos tecnológicos de uma civilização distante, uma trilha sonora envolvente, além do roteiro bem executado. São estes os elementos centrais que garantem a qualidade do filme “Desbravadores” (Pathfinder).

O enredo desta obra aborda temas contundentes e comportamentos inaceitáveis até mesmo para grupos sociais regidos por arcaicas normas de conduta. Os ângulos explorados por Marcus Nispel nos mostram isso: como uma mesma atitude pode ser condenada de maneira semelhante em civilizações distintas. De um lado os bárbaros vikings comandados por Gunnar (Clancy Brown), do outro os índios Wampanoag da costa norte-americana, retratados como seres ingênuos sempre a mercê dos inimigos.

A linha que foi traçada para a evolução deste filme abarca ódio, amor e influências trazidas por uma criança bárbara - única sobrevivente do naufrágio de uma das embarcações “dragão” do clã nórdico de saqueadores – desmoralizada e abandonada à própria sorte por não acreditar na supremacia de seu povo.

Karl Urban representa de maneira trivial o jovem personagem que protagoniza a trama (Ghost), assim, durante os 99 minutos de filme, luta contra as lembranças de um passado distante e as esperanças de um futuro idealizado sem se furtar a um só lado da tênue fronteira entre realidades antagônicas.É interessante não somente pelas paisagens espetaculares que nos roubam o fôlego, pela neve imaculada ou pela beleza de Moon Bloodgood (Starfire) herdeira do legado Wampanoag, dividida entre o orgulho de seu povo e o amor do híbrido Ghost – motivo de tanta discórdia. O filme vai além, evoca pensamentos éticos sobre a supremacia de raças, segregação e preconceito. Sem dúvidas não pode ser considerada a melhor obra da categoria, ficando a Km de distância de “O Último dos Moicanos” (1992), mas merece ser visto como uma preparação para obras de maior densidade.

Ficha técnica:

Título: Desbravadores
Direção: Marcus Nispel
Elenco: Karl Urban, Moon Bloodgood,

Russell Means

Origem: Estados Unidos

Ano: 2007

Duração: 99 min

TROPA DE ELITE

2007-10-15T13:46:00.001-07:00

Por Poliana Ribeiro

De um lado, o retrato do nascimento de uma favela e da instalação do tráfico de drogas, a partir do olhar dos moradores locais. Do outro, a maneira truculenta como a polícia lida com o tráfico e com os moradores da favela. No primeiro caso, o narrador é um habitante da periferia que tenta manter-se afastado da vida criminosa, já no segundo, quem conta a história é um policial cansado do combate ao crime. Separados por cinco anos, Cidade de Deus e Tropa de Elite são reflexos de uma mesma realidade – o tráfico de drogas e a violência - o que muda são os ângulos usados em cada produção.

Além da questão conceitual, tanto o filme de Fernando Meireles quanto o de José Padilha também guardam outras semelhanças, como o fato de mostrarem realidades bastante violentas e de serem marcados por polêmicas. Em Cidade de Deus, Fernando Meireles chegou a ser criticado pela estética que usou ao mostrar o cotidiano da favela, enquanto José Padilha precisou prestar esclarecimentos por ter enfocado, em seu longa-metragem, o comportamento violento e corrupto da polícia do Rio de Janeiro. Mas, a principal ligação entre esses dois filmes é a repercussão que eles trouxeram ao cinema nacional. Assim como aconteceu com Cidade de Deus em 2002, Tropa de Elite já pode ser considerado um marco da cinematografia brasileira, não apenas pelas polêmicas que alavancou ao mostrar o Batalhão de Operações Especiais da PM com cores fortes – por isso a insatisfação da alta cúpula da segurança pública do Rio de Janeiro -, mas por ser, de fato, uma produção caprichada.

A história é narrada pelo Capitão Nascimento (Wagner Moura), integrante do Batalhão de Operações Especiais da Polícia, que atua em casos que exigem estratégias mais elaboradas de atuação ou, como ele mesmo simplifica, para “limpar a sujeira da Polícia Militar”. O problema é que o Capitão está em um momento crucial de sua vida – prestes a ser pai – e todo aquele cotidiano marcado pela violência e pela pressão de não saber se voltará para casa começa a pesar em seus ombros. Para ele, chegou a hora de pendurar os coturnos e escolher um substituto à sua altura.

É aí que os caminhos de Nascimento se cruzam com os de Matias e Neto, dois aspirantes na Polícia Militar com ambições maiores do que suas atuais funções, seja por idealismo – no caso de Matias – ou por vontade de entrar na “guerra” – no caso de Neto. A busca pelo substituto do capitão do Bope é costurada pela relação entre universitários e traficantes, a partir do núcleo formado pelos personagens de Fernanda Machado (Maria), Fernanda de Freitas (Roberta), Emerson Gomes (Xaveco), que acabam convivendo com Matias sem saber que ele é da polícia. É exatamente nesse aspecto que entra a outra cota de polêmicas do filme. Tropa de Elite sustenta a tese de que os usuários de drogas – no caso, a classe média universitária – é a grande financiadora do tráfico nas favelas e de todas as conseqüência oriundas desse problema.

Merece ainda destaque a atuação de Wagner Moura, talvez o ator brasileiro mais completo da nova safra artística. Moura cria um capitão Nascimento na medida, sem exageros. A impressão é que se está diante de um policial de verdade, nos mínimos detalhes, como a postura e modo peculiar de falar. Aliás, o elogio estende-se a todo o elenco, bastante regular.

Todo filme que motiva discussões pertinentes à realidade por si só já é válido. Embora muita gente prefira a vocação do cinema para o entretenimento, é importante sempre ressaltar que a chamada sétima arte também tem uma função pedagógica de fazer uma espécie de leitura da realidade e, assim, gerar discussões profundas. Esse é o maior mérito de Tropa de Elite, que esfrega na cara da sociedade algo que ela conhece bem, mas finge não ver: policiais corruptos e despreparados, excesso de violência e um segmento social que tenta se eximir de qualquer culpa por pertencer à elite, trabalhando em Ong’s, mas que, na verdade, estimula o tráfico e todas as suas conseqüências negativas. Como se não bastasse tudo isso, Tropa de Elite é ainda um excelente filme no aspecto técnico. Mais um ponto para o cinema nacional!

O VIGARISTA DO ANO

2007-10-09T11:26:00.000-07:00

Por Poliana Ribeiro

Uma mentira contada mil vezes pode acabar tornando-se uma verdade. Essa máxima dá a exata dimensão da história de Clifford Irving, escritor norte-americano que na década de 70 ousou forjar uma autobiografia do bilionário recluso Howard Hughes. A ambição de um escritor e o universo mítico que cercava o magnata das indústrias cinematográfica e náutica foram os ingredientes principais de um dos maiores golpes do mercado editorial mundial, recontado no filme O vigarista do ano, do diretor Lasse Hallström.

A história poderia parecer um roteiro ficcional produzido somente para o cinema se não fosse baseado em fatos verdadeiros e contados no livro A Fraude pelo próprio autor da proeza, o escritor Clifford Irving (Richard Gere), que sofre de um sintoma muito comum entre os seres humanos: o ego bastante elevado. Irving realmente se acha muito bom ao ponto de ficar revoltado com o fato de ter um livro seu rejeitado pela editora McGraw Hill.

Em um lampejo de brilhantismo e estupidez, o escritor falsifica uma carta com a autorização de Howard Hughes liberando-o a escrever sua biografia. Com uma mente realmente criativa, Clifford pensa em todos os detalhes por trás da ação, como o fato de o recluso magnata só aceitar estabelecer contato com ele e com seu assistente, o atrapalhado Dick Suskind (Alfred Molina). Para conseguir detalhes sigilosos da vida de Hughes, os dois têm acesso até mesmo a informações ultra-confidenciais do Pentágono. O interessante é pensar como a esposa de Irving, Edith (Marcia Gay Harden), e o amigo Dick aceitaram participar de um plano tão mirabolante e arriscado.

O roteiro de O vigarista do ano teve a colaboração do próprio Clifford Irving, por isso, é difícil não pensar até que ponto a caracterização do escritor não está um tanto quanto carregada. Irving é mostrado como um contador de histórias nato, capaz de enganar até mesmo a cúpula de uma grande editora. Essa capacidade para descrever fatos é mostrada de forma bastante peculiar no filme, com a junção de detalhes de momentos que não correspondem exatamente à história original que o escritor está contando, resultando em uma narrativa difícil de ser questionada. Exemplo emblemático é o encontro entre Irving e a ex-amante Nina (Julie Delpy), que na versão contada à esposa Edith ganha contornos mais leves.

As mentiras de Clifford Irving não se transformaram em verdades, embora, algumas vezes, o próprio escritor pareça estar convencido dessa veracidade. Pelo contrário, elas resultaram em alguns anos de prisão, uma amizade e um casamento desfeitos, mas também em um bom filme e na tão sonhada notoriedade, mesmo com um preço elevado a pagar.

Ficha técnica:
Título Original: The Hoax
Direção: Lasse Hallström
Elenco: Richard Gere, Alfred Molina, Julie Delpy
Origem: Estados Unidos
Ano: 2007
Duração: 115 min
Classificação: 12 anos

MATEMÁTICA DO DIABO

2007-10-09T09:34:00.000-07:00

Por Diogo Azoubel

“Podem aprisionar meu corpo. Jamais terão minha alma”.
A frase de Pagu serve para ilustrar, de maneira nada equivocada, o fio condutor desta trama produzida por Dustin Hoffman (duas vezes vencedor do Oscar).
Em meados da década de 40, a jovem Hannah (Kristen Dunst) revive de maneira mágica o pesadelo do nazismo e, para enfrentar o terror do holocausto, lança mão de recursos lúdicos junto às suas companheiras; são histórias fantásticas de um pseudo-futuro distante, que servem de base aos sonhos de um povo tão maltratado.

Neste filme a carga emocional sugerida é essencial para que se forme um quadro crítico em antítese aos interesses arianos. Sem o uso de recursos tecnológicos ostensivos, a produção é capaz de captar a atenção daqueles profundamente estimulados pelos efeitos audiovisuais priorizados em algumas das produções hollywoodianas.

É interessante assistir para que se note, pelas lentes diretas de Donna Deitch, a maneira pela qual o nazismo pode ser retratado, além do uso indiscriminado de atuações caricatas que enfatizam características universalmente difundidas como pertencentes aos “cães” de Hitler.
Os planos explorados no filme - emoldurados por uma trilha sonora que se assemelha aos suspiros humanos - muitas vezes imitam o olhar daqueles seres enclausurados em condições subumanas, daqueles milhares que, sem forças, chegaram a desejar a morte, encontrando, nas relações de amizade, no companheirismo e na lealdade, motivos para permanecer de pé.

Ficha Técnica:
Título: A matemática do Diabo
Direção: Donna Deitch
Elenco: Kristen Dunst, Brittany Murphy, Dustin Hoffman
Origem: EUA
Ano: 2004
Duração: 90 minutos

POESIA E PÉROLAS

2007-10-02T13:41:00.000-07:00

Por Diogo Azoubel

O avanço tecnológico nos traz muitos benefícios, dentre eles a possibilidade de revisitar o passado. No cinema, essa interação passado e presente pode ser mediada pelos filmes épicos.

Neste filme, baseado no romance homônimo de Tracy Chevalier (2002) e ambientado no século XVII, percebemos um ar quase nostálgico, uma atmosfera que mescla romances proibidos e realidades nada ostensivas. O diretor Peter Webber trabalha com maestria planos amplos e sofisticados, recortes de cenas impecáveis e, com o auxílio de figurinos perfeitamente executados, nos remete ao mundo de Griet (Scarlett Johansson), uma jovem sonhadora de 17 anos que, após um acidente de trabalho que tirou a visão de seu pai, é obrigada a trabalhar na casa da família Vermeer. Interessante é notar as relações entre patrão e empregado retratadas na obra, aqui estreitadas pelo interesse “afetivo” mútuo entre Griet e Johannes Vermeer (Colin Firth) num antagonismo ao que se espera de um artista pressionado pelas necessidades de uma família inserida na sociedade capitalista da época. Numa das cenas mais atraentes vê-se a protagonista de cabelos soltos sendo observada por Vermeer, o que ressalta a natureza feminina de uma personagem até então inocente e angelical.

Scarlett Johansson brilha numa atuação natural e desprendida de vícios, promovendo a ilusão de que o quadro ”Moça com Brinco de Pérola” – inspiração para o romance de Chevalier - foi realmente guiado em sua beleza. A trilha sonora merece atenção especial. Com arranjos repetidos sistematicamente, ainda assim, consegue sugerir no espectador a angústia e resignação próprias de cada cena, fazendo aflorar sentimentos.

O filme é interessante não somente pelos aspectos estéticos ressaltados acima, vale também por evocar discussões sobre ética, loucura, consciência ambiental, sentimentos subversivos e vida em sociedade. A ausência de diálogos demasiadamente longos surge como recurso para melhor apreciação da obra, que comunica toda sua poesia mesmo no mais profundo silêncio. Ótimo programa para um sábado à noite, esteja você acompanhado ou não.

PÉROLAS E LÁGRIMAS

2007-10-02T10:16:00.000-07:00

Por Poliana Ribeiro

As pérolas são jóias envoltas em lendas e simbologias. Na Índia, por exemplo, dizia-se que elas eram propriedades exclusivas dos deuses; na Pérsia, elas eram consideradas símbolo da virgindade; já na China, julgava-se que estivessem ligadas à imortalidade, enquanto para os gregos eram sinônimos de amor e casamento. Mas, talvez as maiores lendas relacionadas às pérolas sejam aquelas que as comparam às lágrimas.

No caso de Griet (Scarlett Johansson), uma moça simples de 17 anos que precisa trabalhar como empregada na casa do pintor Johannes Vermeer (Colin Firth) e de sua esposa Catarina, as pérolas são mesmo a origem de suas lágrimas. O ano é 1665 e o cenário, uma pequena cidade holandesa chamada Delft. Esse é um período em que a estrutura social é bastante demarcada e patrões e empregados pouco se misturam.

Mas, a sensibilidade apurada de Griet para a pintura acaba por aproximá-la de Jan Vermeer, primeiro porque somente a ela é confiada a missão de limpar o ateliê do pintor e, pouco depois, porque ela detém o olhar apurado para a arte - embora ainda não lapidado - que falta à esposa Catarina. A trama amorosa entre pintor e empregada é retratada com imensa poeticidade pelo diretor Peter Webber em seu Moça com brinco de pérola, adaptado do livro homônimo de Tracy Chevalier, que imaginou a história por trás do quadro holandês famoso no mundo inteiro.

A relação entre Griet e Jan é platônica, apenas concretizada à distância, em pequenos gestos, como o olhar do pintor para a empregada que lhe serve de modelo para agradar ao seu mecenas - com o aval da sogra -, ou no toque das mãos que misturam as tintas. O quadro de Griet usando um turbante azul é a concretização desse sentimento, e as pérolas que Jan a faz usar - de propriedade da esposa Catarina - são as lágrimas que marcam esse relacionamento impossível. São elas que causam a separação entre pintor e sua musa e, de certo modo, elas que os mantêm unidos para sempre.

Moça com brinco de pérola, o filme, também é uma pintura. Cada pequena cena desse longa-metragem parece ter sido pensada para causar o mesmo impacto que um belo quadro motiva em olhares sensíveis. É assim, por exemplo, quando Griet anda no campo com o filho do açogueiro - apaixonado por ela -, ou, ainda no início do filme, quando a moça corta legumes para decorar um prato de salada.

Não se pode deixar de destacar a presença da atriz Scarlett Johansson diante da tela. Ela constrói uma Griet que assemelha-se a uma ostra: fechada, quase impenetrável, mas com algo rico e de beleza singular em seu interior.